Reseña

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Más de 90 películas forman parte de la Gira 2024, visitaremos Ciudad de México, Veracruz, Michoacán y Querétaro, y ampliaremos el alcance con una selección de títulos en Nuestro Cine MX.

2024

Gira Ambulante

Humberto Gómez Pérez | México | 2023 | Tsotsil | Color | 70’

La primera imagen de una película siempre es definitoria. Es el momento en que las expectativas se decantan, adquieren forma y nos proveen de una mirada con la que nos guiaremos en adelante. A este respecto, el inicio de _[Ch’ul be, senda sagrada](https://www.ambulante.org/catalogo/chul-be-senda-sagrada)_ es modélico. Una voz relata en tsotsil la creación del mundo desde la cosmovisión maya. Nos habla de que al principio de todo sólo existía el cielo y su oscura noche, mientras vemos, precisamente, a la solitaria luna como un faro rodeado de penumbra. Lo visible es un correlato de lo dicho, como si las palabras, al pronunciarse, permitieran que todo apareciera. Y así, paulatinamente, se van desvelando otros elementos: los árboles, los animales y los humanos. Los espectadores presenciamos, pues, un mundo en vías de hacerse, pero también, una concepción determinada, ligada al mito, de este origen del mundo. Ya ahí notamos la importancia que tiene para los realizadores de este documental el entendimiento con que las personas interpretan y explican aquello que las rodea y las conforma. Y sobre todo, la manera en que la concepción cinematográfica se entrelaza con la del pueblo de San Andrés Larráinzar, asumiendo que esta forma expresiva puede ser también constitutiva, tal y como lo es la transmisión oral de las tradiciones, y acaso una vía para la preservación de la memoria de toda una comunidad.

Así, la creación del universo ocurre junto a su puesta en imágenes. Este marco de lectura nos da los instrumentos para cifrar el resto de la película, pues nos muestra que las cosas no se reducen a sí mismas, también las moldea su pasado y su herencia, las creencias, los sueños, la compartición y la puesta en común. ¿Podemos vislumbrar las consecuencias que este ideario tiene para el cine? Un arte que trabaja con un orden sensible visual y sonoro, en que incluso lo ausente se hace presente, ¿cómo puede corresponderse a una realidad tejida por lo invisible y evocable, por ese más allá y más acá de las cosas? Humberto Gómez y su equipo disciernen una solución por demás inteligente: conservar el secreto, mostrarlo como algo inasible e inefable, pero no por eso imposible de compartir. La voz en _off_, por ejemplo, confiere a los planos un velo doble: amplía las orillas del presente pues introduce en él una historia antiquísima y vital para quienes la mantienen viva. Lo que vemos ya no es sólo lo que vemos, es también lo que otros vieron antes que nosotros y nos enseñaron a ver. Y claro, ver, más que una operación biológica, es un tipo de sabiduría ancestral.

Los espacios de _Ch’ul be, senda sagrada_ son únicos: paisajes extraños para el cine mexicano que poco se asoma a sitios fuera de límites muy estrechos. La música, los gestos, las palabras, el interior de las iglesias, están todos teñidos por una mirada paciente y penetrante que no es la de un visitante ocurrente sino la de alguien con conocimiento de causa. No hay pretensiones de gritar a los cuatro vientos lo registrado. El tono es calmo, la cámara está atenta a lo que ocurre y el montaje se apega al _tempo_ de la vida de aquel lugar. Todas estas variables hacen que _Ch’ul be, senda sagrada_ sea más que una película sobre el sistema de cargos en San Andrés Larráinzar. Es también un bloque de realidad, de tiempo y espacio, de historias y relatos, de memoria y sabiduría.

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Leandro Koch, Paloma Schachmann | Argentina, Austria | 2023 | Español, ídish, alemán, rumano, ucraniano, inglés | Color | 117’

En la historia de una familia confluyen accidentes, particularidades y deseos íntimos, pero también eventos políticos y aspectos culturales y sociales que nos recuerdan constantemente el entretejimiento de las vidas individuales con acontecimientos mucho más grandes. Por ello, revivir la historia de una familia implica también sacar a la luz un pasado histórico que trastoca el presente y que le da una nueva dimensión. Éste es el ejercicio principal de _[Adentro mío estoy bailando](https://www.ambulante.org/catalogo/adentro-mio-estoy-bailando)_: iluminar el amor que siente Leandro hacia Paloma con el resplandor que emite la herencia del pasado.

Leandro es un videógrafo que trabaja grabando bodas en Buenos Aires. En una de ellas conoce a Paloma, una clarinetista de klezmer, un género de música tradicional judía. Comienzan a verse, pero poco después Paloma debe viajar a Ucrania para participar en un proyecto de investigación sobre música judía en la región, que dirige un antropólogo estadounidense. Desolado por su partida, Leandro idea un plan para estar cerca de ella: decide hacer un documental sobre música klezmer en Europa del Este. Se pone en contacto con un viejo conocido que escucha su proyecto y que lo conecta con ejecutivos de la televisión pública austriaca, quienes deciden financiarlo. Con dinero y equipo, Leandro emprende un viaje por Rumania buscando músicos klezmer para filmarlos y con la meta de eventualmente reunirse con Paloma.

Esta suerte de _road movie_ en clave romántica y musical nos permite, mediante las indagaciones de Leandro y Paloma en sus respectivos proyectos de investigación, conocer el pasado judío en Rumania, Ucrania y Moldavia. Hay al menos dos grandes eventos históricos que arrojan una sombra ominosa sobre la ausencia contemporánea de músicos klezmer en esa zona: la Segunda Guerra Mundial y la fundación del Estado de Israel. La primera desplazó a los habitantes judíos de la región y la segunda impulsó el hebreo como lengua oficial de la cultura judía, en detrimento del ídish, idioma en que tradicionalmente se cata la música klezmer.

Los grandes eventos históricos que poco a poco develan los motivos por los que Leandro pasa tantas penurias al no encontrar músicos klezmer son el contrapunto de una historia más personal: las memorias de la abuela de Leandro, quien habla de su juventud en la comunidad judía de Besarabia, antes de emigrar a Argentina. Las experiencias, narradas en ídish, su lengua materna, enlazan el viaje de Leandro con algo más que la búsqueda de una amor actual: son la prueba de que las raíces de su vida se entierran profundamente en ese suelo y tocan directa o indirectamente lo que ha ido descubriendo sobre el pasado de los judíos ahí. Lo que era una búsqueda romántica disfrazada de investigación antropológica se revela entonces también como una indagación sobre la historia personal.

El último tramo de la película es una deriva. Leandro descubre que apegarse a su proyecto de documental es más difícil de lo que había imaginado. Leandro y Paloma se pierden entre las ruinas de un pasado que los constituye a la vez que parece sellar la promesa de un futuro juntos. En esa continuidad está la prueba de que su vida actual es el producto de una historia cuyas vicisitudes y transformaciones no tienen una dirección precisa. Tanto las peripecias que afronta la abuela de Leandro debido a la guerra como la súbita desaparición de los músicos klezmer de Rumania dotan al pasado histórico tratado en la película de un aire de arbitrariedad. Los caminos de Leandro y Paloma, así como los de la historia, son caminos de errancia.

En medio de un mundo que parece desintegrarse lentamente, percibimos al final la prueba de que al menos lo esencial permanece: las personas todavía acuden a la música para sellar sus amores y compartirlos con su comunidad. En medio de los vaivenes de la historia, la música permite que dos espíritus perseveren juntos.


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Valeria Sarmiento | Chile, Francia | 2023 | Español | Color | 63’


En _[Huellas](https://www.ambulante.org/catalogo/huellas-1)_, la cineasta Valeria Sarmiento, tras años de autoexilio en Francia y guiada por la culpa y la búsqueda de redención, regresa a su natal Chile para realizar un documental sobre las desafortunadas herencias de la dictadura militar pinochetista, a treinta años de su finalización.

En la película hay un breve momento que resulta esencial: un pequeño niño, con los ojos vendados y palo en mano, intenta enérgicamente, sin éxito, pegarle a una piñata. Al final de los quince segundos que dura el fragmento, en el niño se pueden percibir dos cosas: el mareo producido por tantear a ciegas, lo que le ha hecho perder el control sobre su cuerpo, y la presencia de una cierta desilusión que lo lleva a dejar caer desinteresadamente el palo. Este plano expone muchas de las intenciones y posturas de la directora en su acercamiento a uno de los episodios políticos más oscuros de Latinoamérica en el siglo XX. 

La selección de Sarmiento de este instante nace de una decisión discursiva: utilizar una figura infantil para representar la conciencia de la cineasta sobre la tarea a la que ella misma se convoca, que es entender de forma colectiva las cicatrices —en algunos casos, heridas aún abiertas— de las violencias y opresiones ejercidas en Chile por el régimen militar de Pinochet durante cerca de tres décadas. 

El mareo del niño es el de la cineasta y los espectadores: resulta abrumador escuchar un torrente de testimonios intergeneracionales de dolor, miedo y pérdidas que integran este documento histórico. La desilusión del niño, por su parte, se puede comparar con el efecto que provoca el intento de cubrir poliédricamente un periodo así de convulso. 

A su vez, la escena del niño es una breve transición entre dos entrevistas de las tantas que componen el filme y a través de las cuales la cineasta, sabedora de su distancia con los hechos, busca una pluralidad de perspectivas sobre las consecuencias dictatoriales en la sociedad chilena. Una especialista, por ejemplo, nos explica lúdicamente las secuelas químicas, a nivel anatómico, del estrés postraumático tras la violencia. 

_Huellas_ es un sutil gesto de Valeria Sarmiento que busca yuxtaponer a quienes investigan lo invisible con el carácter físico de que los dota el cine, que conjura el pasado con el presente, y registra aquello que reniega la permanencia, que no quiere materializarse —porque el olvido le es conveniente— y utiliza el lente como microscopio para poder ver esos vestigios que habitan todos los días en el rostro y la voz de cada chileno, en fachadas de casas, calles, esquinas (cada una con historias terribles), y que no deberían quedar en el olvido pues merecen, a través del ejercicio de la memoria, el registro y el testimonio como exorcismo, la certeza de un mejor futuro. 

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On the Line

Private Movie

Artificial Paradise

Somewhere Between Jalostotitlán and Encarnacion

En el idioma español utilizamos la palabra _traslación_ para referirnos al movimiento de un cuerpo celeste, por ejemplo, el de la Tierra alrededor del Sol. Orbitar. Se traduce al inglés como _translation_, palabra que en otro contexto significa _traducir_.

Traducción-traslación: ¿la coincidencia de estas palabras en inglés tiene alguna influencia en cómo se percibe el acto de traducir en la cultura angloparlante? ¿Qué relación tiene con el interés de cineastas experimentales estadounidenses en producir imágenes de México como un intento de interpretar una cultura diferente a la suya? ¿Es el movimiento de un cuerpo alrededor de otro un comienzo para traducir la experiencia física en una obra artística?

En este programa se reúnen obras de cineastas que sortean el primer impulso de la mirada exotista sobre lo que México significa para ellos. Orbitando la frontera o visitando algunos de los territorios que configuran el mapa de lo _mexicano_, convierten el contraste geográfico en un imaginario que a la luz del paso del tiempo, revelan los deseos e interpretaciones del visitante: ya sea cineasta, turista, etnógrafo o explorador.

Las películas de este programa forman parte del catálogo de Canyon Cinema, organización fundada en 1961 en el patio trasero de Bruce Baillie en Canyon, California, la cual se dedica a acercar al público al cine experimental, independiente y no comercial. Este programa es una oportunidad para dialogar en torno a la producción cinematográfica que vincula a nuestro país con el país vecino. (1)

En el programa participan las cineastas Naomi Uman y Azucena Losana, quienes son ampliamente conocidas en la comunidad de cine hecho en soporte fílmico en México. Sus obras _[Película privada](https://www.ambulante.org/catalogo/pelicula-privada)_ (_Private Movie_) y _[La cuarta plantación](https://www.ambulante.org/catalogo/la-cuarta-plantacion)_, respectivamente, ejemplifican los extremos de la relación entre ambos países. Mientras la primera muestra de forma íntima uno de los motivos que la trajo a radicar a México; la segunda, a partir de las películas turísticas que permanecieron dormidas hasta hace pocos años en la embajada de México en Argentina compila el retrato de un territorio que se maquilla para la mirada extranjera.

Por su parte, _[En la línea](https://www.ambulante.org/catalogo/en-la-linea)_ (_On the Line_) traza un viaje desde Baja California hasta el trópico de Cáncer utilizando una partitura original y un diseño de sonido que aportan a la pieza un tono humorístico pero siniestro; mientras que _[En algún lugar entre Jalostotitlán y Encarnación](https://www.ambulante.org/catalogo/en-algun-lugar-entre-jalostotitlan-y-encarnacion)_ (_Somewhere Between Jalostotitlán and Encarnación_) es un diario de viaje que combina imágenes de México y Estados Unidos con reflexiones sobre la vida y la muerte.

Completan el conjunto, alternándose en los estados que visita Ambulante Gira de Documentales: _[Cosas de mi vida](https://www.ambulante.org/catalogo/cosas-de-mi-vida)_ y _[Paraíso artificial](https://www.ambulante.org/catalogo/paraiso-artificial)_ (_Artificial Paradise_), obras de Chick Strand, quien, además de dedicar buena parte de su trabajo a México, fue una miembro fundadora de Canyon Cinema. 

Así mismo, en el programa expandido de la sección que se presenta en Querétaro y la Ciudad de México se podrá disfrutar del largometraje _[Chulas fronteras](https://www.ambulante.org/catalogo/chulas-fronteras)_, de Les Blank y Chris Strachwitz: una mirada compleja y reveladora sobre la experiencia chicana reflejada en la vida y la obra de los músicos norteños más aclamados en la frontera entre Texas y México a finales de la década de 1970, incluidos Los Alegres de Terán, Flaco Jiménez y Lydia Mendoza. La Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos agregó esta película al Registro Nacional de Cine, una selección de películas que se preservarán a perpetuidad por su importancia histórica y cultural.

(1)  Para ahondar más en ello, recomiendo revisar el “Directorio de películas de Canyon Cinema con locación o temática vinculada a México”, listado crítico que prepararon Brett Kashmere y Seth Mitter para la publicación _Cine-Espacios_, _Zinemacine_, no. 8, 2021-2023. Esta publicación, que preparé junto con mi colega Walter Forsberg, es la semilla de este programa de Ambulante. 


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Photograph of Wind

Maya at 24

Which Way Is East: Notebooks From Vietnam

Drawn and Quartered

Film About a Father Who

Your Day is My Night

Window Work

A Month of Singe Frames

Wind in Our Hair 

Atalanta 32 Years After

And Then We Marched 

A Year in Notes and Numbers

The House of Science: A Museum of False Facts

A Biography of Lilith

The Jitters

La 19.ª edición de Ambulante Gira de Documentales dedica este año una retrospectiva a la cineasta estadounidense Lynne Sachs, en colaboración con la Cineteca Nacional México, el Laboratorio Experimental de Cine, el Centro de Cultura Digital y Kino Rebelde. Por primera vez se trae a México una selección de la obra de Sachs, referente obligado del cine de vanguardia de los últimos años. Su obra, tan personal —a veces incluso íntima— como política, se caracteriza por una búsqueda estética y una experimentación poco complacientes que recurren al documental, el ensayo, el _collage_ y un sinfín de exploraciones formales y técnicas.

El trabajo de Sachs, pionera del documental experimental en Nueva York, lleva el cine al terreno de lo poético y más allá de la reflexión. Nos introduce en una búsqueda personal e incansable; cuestiona conceptos tan arraigados en lo personal, lo afectivo y lo político. La frontera entre la obra y la vida se desdibuja, desaparece y se moldea en acontecimientos vitales donde el cuerpo, la muerte, la guerra y el feminismo se convierten en conceptos vívidos que la mirada sensible y crítica de la artista cuestiona. 

Hay muchas maneras de acercarse a la poética de Lynne Sachs. Por un lado, su contemplación y el respeto ante la vida permiten que las cosas sean tal y como son;   por otro lado, la impulsa una acción política radical donde se fusiona su voz con las otras voces, donde su mirada genera un ritmo colectivo: el grito poético que clama por lugares políticos más amables para todas y todos. Al hacer la selección de las películas para los programas, decidimos concentrarnos en el tema de la familia, pues la tensión entre lo lo biográfico y lo no biográfico nos acerca a las dos venas principales en la obra de Sachs.

La sección está conformada por dos largometrajes: _[Tu día es mi noche](https://www.ambulante.org/catalogo/tu-dia-es-mi-noche)_, película que explora la historia colectiva de la comunidad china en Estados Unidos mediante conversaciones, monólogos autobiográficos y piezas teatrales; y _[Película sobre un padre que](https://www.ambulante.org/catalogo/pelicula-sobre-un-padre-que)_, donde Sachs filma a su padre a lo largo de 35 años para comprender mejor su lazo con él y con sus hermanas. 

Además se presentan dos programas de cortometrajes: el primero se compone de trabajos entrañables alrededor de personas íntimamente ligadas a la vida de la propia Sachs como _[Trabajo en la ventana](https://www.ambulante.org/catalogo/trabajo-en-la-ventana)_, _[Atlanta treinta y dos años después](https://www.ambulante.org/catalogo/atlanta-treinta-y-dos-anos-despues)_, _[Un mes de fotogramas](https://www.ambulante.org/catalogo/un-mes-de-fotogramas)_, _[Con viento en el pelo](https://www.ambulante.org/catalogo/wind-in-our-hair-con-el-viento-en-el-pelo)_, _[Y entonces marchamos](https://www.ambulante.org/catalogo/y-entonces-marchamos)_, _[Maya a los veinticuatro](https://www.ambulante.org/catalogo/maya-a-los-veinticuatro)_, _[Un año en apuntes y números](https://www.ambulante.org/catalogo/un-ano-en-apuntes-y-numeros)_ y _[Carolee, Barbara y Gunvor](https://www.ambulante.org/catalogo/carolee-barbara-and-gunvor)_.

El segundo programa tiene un carácter fílmico, pues se compone de películas que serán proyectadas en 16 mm: _[Atraídos y divididos](https://www.ambulante.org/catalogo/atraidos-y-divididos)_, _[La casa de la ciencia: un museo de hechos falsos](https://www.ambulante.org/catalogo/la-casa-de-la-ciencia-un-museo-de-hechos-falsos)_, _[De qué lado es el este: cuadernos de Vietnam](https://www.ambulante.org/catalogo/de-que-lado-es-el-este-cuadernos-de-vietnam)_, _[Una biografía de Lilit](https://www.ambulante.org/catalogo/una-biografia-de-lilit)_, _[Fotografía del viento](https://ambulante.org/catalogo/fotografia-del-viento)_ y _[Los nervios](https://www.ambulante.org/catalogo/los-nervios)_. 

En estos programas lo político se transforma en un cine de exploración formal, sin límites para la percepción. La materialidad, que se detona desde lo íntimo, lleva a cabo dislocaciones a partir de la experimentación y el pensamiento crítico genera rupturas desde lo formal. El mundo es visto a través del ritmo de un cuerpo moviéndose en círculos, como en _[Maya a los veinticuatro](https://www.ambulante.org/catalogo/maya-a-los-veinticuatro)_ donde la cineasta filma a su hija Maya a los seis, dieciséis y veinticuatro años corriendo en círculos alrededor de su madre, como si se impulsara en el tiempo hacia el futuro. Lynne reacciona poética y políticamente con el movimiento ante la territorialización sistemática y violenta que actúa sobre nuestros propios cuerpos. 

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La sección Retrovisor promueve obras audiovisuales de archivo que, desde su distancia temporal, contribuyen a interrogar de manera crítica el presente. La vocación de esta sección también es posibilitar que las cintas de archivo convoquen a nuevos públicos, y así expandir su vida más allá de los sitios que las resguardan. Este último eje fue el motor principal detrás del programa de Retrovisor 2024.

Hoy en día, el cine de y desde las comunidades está cada vez más presente en el panorama de la producción audiovisual. La intención al proponer este programa es (re)conocer y dimensionar documentales que décadas atrás propusieron miradas con una perspectiva comunitaria. “Miradas para habitar” reúne dos cortometrajes y un mediometraje que nos invitan a pensar en las memorias, la organización y el pensamiento colectivo como alternativa para habitar la realidad.

La primera obra es _[Teat Monteok. El cuento del Dios del Rayo](https://www.ambulante.org/catalogo/teat-monteok-el-cuento-del-dios-del-rayo)_, que fue resultado de un taller de cine impartido a un grupo de mujeres en San Mateo del Mar, una comunidad ikoot del Istmo de Tehuantepec, en Oaxaca. Dicho taller fue organizado en 1985 por el Instituto Nacional Indigenista (INI) y representó un esfuerzo estatal muy importante por acercar a mujeres de pueblos originarios al medio audiovisual. Elvira Palafox, la directora, era artesana tejedora antes que cineasta; en las imágenes que nos propone se encuentra irremediablemente su virtud en el oficio. Ella entreteje no sólo diversas imágenes, sino dimensiones temporales: pasado y presente se confunden para adentrarnos en la historia sobre el origen del pueblo ikoot, al tiempo que se develan las actividades cotidianas de su comunidad. 

_[Murmullos del volcán](https://www.ambulante.org/catalogo/murmullos-del-volcan)_ emerge de un proceso de capacitación audiovisual impulsado, de igual modo, por el INI en Michoacán durante los años noventa. Valente Soto, un maestro de Angahuan que formó parte de ese proyecto, se volvió un referente en la realización audiovisual del pueblo purépecha. Desde un sentido de pertenencia y cercanía, en _Murmullos del volcán_ Soto logra una película entrañable donde recupera y ensambla relatos en torno a la erupción del volcán Paricutín y los modos en que transformó la vida de los habitantes de la región. Los recuerdos de los ancianos que vivieron en carne propia la catástrofe emergen como murmullos que apenas permanecen en el tiempo. El volcán quedó en la memoria colectiva de estas comunidades, que han hecho de él un personaje en las pirekuas (canciones tradicionales purépechas). 

Por su parte, _[Nuestro tequio](https://www.ambulante.org/catalogo/nuestro-tequio)_ se enmarca en el mundo de la comunalidad, la autogestión y un movimiento político en la sierra zapoteca de Oaxaca. Durante las décadas ochenta y noventa la Asamblea de Autoridades Zapotecas y Chinantecas de la Sierra (Azachis) fue un referente en los procesos organizativos y de movilización social, basados en principios comunitarios, para afrontar diversos problemas de los pueblos de la región. La Azachis creó la Comisión de Relaciones para documentar sus actividades a través del audiovisual y la fotografía; de esa encomienda surge _Nuestro Tequio_, que retrata la vida comunitaria cuando toma imagen y cuerpo en la fiesta, el tequio y la asamblea. En el documental hay cinco minutos de diálogos en zapoteco sin traducción al castellano, debido a diversos y complejos factores. Además de las limitaciones para entender este fragmento, invitamos al espectador a considerarlo como un llamado de atención para pensar en la diversidad del pasado y de los idiomas en que nos habla. 

_Teat Monteok_ y _Murmullos del volcán_ son preservadas y digitalizadas por el acervo Alfonso Muñoz del Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas. Nuestro Tequio forma parte del acervo de la Azachis y la copia digital para esta Gira se hizo gracias a la colaboración de Martha Colmenares (integrante y enlace de la Comisión de Relaciones de la Azachis), Yerid López Barrera, Laboratorio Audiovisual de Investigación Social (Instituto Mora) y Ambulante.

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Lea Hartlaub | Alemania | 2024 | Alemán, suajili, inglés, hebreo, chino, farsi, tamashek | Color | 103’

Más que un punto de partida, la jirafa es la criatura que nos guía, desde la alfa hasta la omega, a lo largo de _[Sr](https://www.ambulante.org/catalogo/sr-1)_. A través de ella se capitula un tropel de latitudes, épocas, relatos y fábulas, algunos más verídicos que otros, pero todos constitutivos del saber y la experiencia humanos. El espectador podrá percibir que el conjunto de planos gravita en torno a un centro invisible: una idea que permea lentamente entre lo que vemos y escuchamos, pero que sobre todo perfila su propia forma entre líneas. Es una sensación más que una certeza, y antes de definir de qué idea se trata, es muy placentero rumiar el tono evanescente, casi un mundo flotante, que nos ofrenda la cineasta alemana Lea Hartlaub.

La distancia entre lo dicho y lo mostrado es evidente, si bien los entrelaza un fino hilo que corre de orilla a orilla con suma tensión. A eso me refiero con que en el centro de la película reposa una idea que sin embargo está fuera de campo: todos los planos aluden a ella y la conforman, pero nunca terminan de decirla. Lo que _Sr_ nos presenta son varios casos en que la jirafa articula un contexto y desvela su funcionamiento social, cultural e histórico, es decir, la jirafa no es sólo una jirafa, es muchas cosas más: una figura espiritual, una transacción económica, un indicador de estatus, un ejemplar de museo, una presa de caza… Así, la realidad de la jirafa va más allá de su unidad espaciotemporal: es una serie de transformaciones que aumentan el concepto que tenemos de tan hermoso y noble animal.

Aquí intercede un segundo y crucial elemento de _Sr_; ya no su eje temático ni su tesis principal, sino su método. La maleabilidad de la noción de la jirafa tiene que organizarse de algún modo. Puede ser útil, para sujetarnos de algo, dar cuenta de los fundamentos invariables en la película. Uno de éstos es el _marco_. Con un poco de atención notaremos cuántas veces los objetos aparecen enmarcados de alguna manera. Primero por el encuadre cinematográfico, cuyos límites se acentúan gracias a las composiciones geométricas. Después tenemos paralelogramos al interior de este gran cuadro: fotografías, archivos, puertas, vitrinas, hojas de libros, diapositivas, pinturas, ventanas y un sinfín de delimitaciones más.

Un marco, lo sabemos, da orden al caos. Nos plantea un punto de vista y categoriza nuestro universo; a su vez, un marco dice algo de lo que enmarca. Lea Hartlaub no desconoce la ascendencia del cine en lengua alemana: Peter Nestler, la pareja Straub-Huillet, Harun Farocki, Hartmut Bitomsky e Ingemo Engström, quienes encuentran en el ordenamiento —en el sentido más riguroso posible— un principio de profunda comprensión sobre nuestro mundo. La disposición que sigue _Sr_, en apariencia ascética y rígida, tiene una plena vocación enciclopédica. No es baladí que tome su título del jeroglífico _sr_, atribuido a la jirafa en el primer diccionario egipcio del que tenemos noticia. Hartlaub se interesa por una vastedad de fenómenos, pero sobre todo, por la variedad de esquemas con que el ser humano los ha clasificado. Finalmente, la bella idea detrás de _Sr_ se puede formular en los siguientes términos: la realidad nace _con_ la forma, y es esta forma la que, en última instancia, perdura a través del tiempo.

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Nocturnes

_[Nocturnas](https://www.ambulante.org/catalogo/nocturnas-1)_ | _Nocturnes_

Anirban Dutta, Anupama Srinivasan | India, Estados Unidos | 2024 | Inglés, hindi, bugun | Color | 83’

Una oscuridad profunda, ambientada por el eco de voces sigilosas, anuncia la llegada de la noche en la selva al este de los Himalayas. La armonía tejida entre cantos interespecie advierte la posibilidad de un universo oculto entre la vastedad de las tinieblas. Esta experiencia intimidante, que nos empuja a habitar el miedo y el asombro simultáneamente, adquiere un poco de ligereza gracias a la presencia de una luz fosforescente. Un grupo de figuras dispersas se muestra poco a poco en la penumbra. Entre zumbidos y aleteos, la cámara nos acerca a un panorama visual electrificante: una nube de polillas reposa sobre una pantalla iluminada. La espera y la observación prolongadas nos permiten trascender el estado inicial de parálisis nocturna para sumergirnos de lleno en una diversidad de siluetas, matices y texturas. Como si se tratara de un efecto hipnótico, nuestro espacio-tiempo se sintoniza con el goce extático que experimentan las polillas al contemplar la luz.

En _Nocturnas_, filme dirigido por Anirban Dutta y Anupama Srinivasan, el anochecer se presenta como un portal hacia sensibilidades alternas y formas inexploradas. La lentitud, la sutileza y la escucha atenta encauzan el acercamiento de una investigadora, Mansi Mungee, y su equipo de trabajo a un remoto ecosistema en el que habitan cientos de especies de polillas y mariposas nocturnas. A pesar de los fines científicos de su búsqueda, las hipótesis e interpretaciones permanecen ausentes en gran parte de su tránsito por la selva y, por ende, de la película. En su lugar, Dutta y Srinivasan optan por acompañar los ritmos y las pausas esenciales en los encuentros de Mansi con las polillas. La contemplación y la espera son constantemente invocadas a través de distintos elementos del entorno natural, como la transición a la noche, la precisión del ciclo lunar y el abrazo de la niebla. Esta alineación con otras temporalidades trastoca discretamente su principal herramienta de comprensión y estudio: la mirada humana.

Uno de los objetivos primordiales del trayecto emprendido por el grupo es la recolección sistemática de fotografías de las distintas especies que habitan la zona, con especial énfasis en las polillas halcón. Cada noche, Mansi y su equipo se dedican a capturar cientos de imágenes en un punto determinado de la selva. Una vez completado el mapeo del territorio, las fotografías serán procesadas digitalmente para clasificar y estudiar la anatomía de las polillas halcón.

Sin embargo, el acceso al conocimiento que prometía la imagen no se materializa en los términos deseados por el grupo de investigadores. En la práctica, el registro fotográfico se ve rezagado por contratiempos climáticos, dificultades en los traslados y, contra las expectativas de Mansi, anomalías en el comportamiento de las polillas. “Necesitamos entender este sitio desde la mirada de una polilla, y sospecho que eso podría tomarnos décadas”, advierte un miembro del equipo. Por si no fuera suficiente, una cantidad significativa de las fotografías recopiladas será probablemente desechada o de poco uso para la investigación. El paso de las noches expone a la imagen y al sujeto humano que la genera como incapaces de comprender la experiencia de la polilla.

El fracaso de las herramientas racionales en el encuentro con las polillas abre la puerta a nuevas formas de acompañamiento interespecie. Entregarse a estos ritmos de contemplación y escucha implica conectar con la sabiduría de seres que han habitado el planeta cerca de 300 millones de años y han sobrevivido a cinco eventos de extinción masiva. Presenciar la quietud y el silencio de las polillas, y abrazar sus misterios y secretos implica comenzar a desprenderse de las lógicas fundacionales del Antropoceno.


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Menus Plaisirs - Les Troisgros

_[El menú de los placeres: la familia Troisgros](https://www.ambulante.org/catalogo/el-menu-de-los-placeres-la-familia-troisgros)_ | _Menus Plaisirs - Les Troisgros_

Frederick Wiseman | Estados Unidos | 2023 | Francés | Color | 240’

Resulta imposible no pensar, cuando se yuxtaponen los conceptos _contemplación_ —tema de la 19.ª edición de la Gira de Ambulante— y _documental_, en el nonagenario cineasta estadounidense Frederick Wiseman, quien a lo largo de seis décadas de incesante trabajo se ha dedicado a perfeccionar la capacidad contemplativa del lenguaje cinematográfico de no ficción.

En su extensa filmografía, que en México tuvimos la oportunidad de conocer a profundidad gracias a la retrospectiva que le dedicó Ambulante en 2018, Wiseman hace gala no sólo de su capacidad para el encuadre y el montaje, sino de su profunda, incisiva y atenta mirada que desentraña, por medio de momentos tan precisos como contundentes, aquello que funda y conforma diversas instituciones: un hospital psiquiátrico, un _mall_, una librería o un ayuntamiento. Se trata de organizaciones con repercusiones públicas que le permiten a Wiseman llevar a cabo un proyecto de historización, así como comprender a la sociedad contemporánea y  neoliberal que habitamos.

En este caso, tras una pausa para realizar su primer trabajo de ficción, Wiseman regresa al registro documental con _El menú de los placeres: la familia Troisgros_. Voltea su mirada a la institución gastronómica: restaurantes franceses de la llamada _alta cocina_, entre los que destaca Le Bois Sans Feuilles, con casi cien años de existencia, y poseedor de una estrella Michelin desde hace 60 años, uno de los más grandes honores a que puede aspirar mundialmente cualquier negocio gastronómico.

El cineasta estadounidense nos adentra en este comercio familiar utilizando el poder de la imagen, la cual siempre se corresponde en ritmo a lo exigido por las dinámicas internas del restaurante, para desmenuzar, a lo largo de cuatro valiosas horas, diversos elementos estructurales que permiten al cineasta entender la relación del ser humano con su entorno por medio de la observación de procesos, dinámicas, valores e ideologías, que son el esqueleto oculto de cualquier organización. 

Wiseman aprovecha este restaurante para adentrarse en la relación transformadora del ser humano con la naturaleza. Los cocineros, bajo la mirada de Wiseman, son artistas, algo que se puede asumir por el tiempo en que la cámara sigue sus procesos creativos, los cuales  registra sin enaltecerlos, sobreestetizarlos o ensalzarlos, como lo hacen comúnmente los _reality shows_ gastronómicos tan de moda que pululan en las plataformas digitales y los ya casi extintos canales televisivos. 

En este documental, que claramente tiene una postura a contracorriente de los métodos de registro de los productos antes mencionados, el cineasta se toma el tiempo necesario, igual que lo haría un gran chef. En _El menú de los placeres_, los chefs y el cineasta comparten el respeto que exige transformar la materia, ya sean alimentos al fuego o planos ante el lente de la cámara. Las cualidades artísticas de estos oficios estriban en el acto primario de comer y de observar.

No menos importante, y tal vez el elemento diferenciador entre este filme y el resto de su filmografía, es la otra importante disección que atrae al documentalista:  curiosear la institución familiar. Aprovechando los lazos de parentesco en torno a los que se organiza la dinámica del restaurante, Wiseman nos invita con sus imágenes a observar las relaciones de estos consanguíneos intermediadas por una estructura laboral. Son estos momentos los que permean de humanismo y dan rostro, voz y dimensión a lo que podría haber sido una exploración llena de frialdad, caso contrario a lo que sucede en este banquete cinematográfico, cocinado a fuego lento, el cual, sin distracciones, adornos o seducciones baratas, valúa respetuosamente al ser humano y su potencia creativa. 

_Pedro Emilio Segura Bernal_, programador de Ambulante


Noticias

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En esta edición, dedicamos una retrospectiva a la cineasta estadounidense Lynne Sachs, referente obligado del cine de vanguardia de los últimos años, cuya obra, tan personal —a veces incluso íntima— como política, se caracteriza por una búsqueda estética y una experimentación poco complacientes a través del documental, el ensayo, el _collage_ y un sinfín de exploraciones formales y técnicas.
En colaboración con: Cineteca Nacional México, Laboratorio Experimental de Cine, Centro de Cultura Digital y Kino Rebelde.

La retrospectiva está conformada por dos programas de cortometrajes —uno proyectado en formato fílmico y otro en digital—, y por los siguientes largometrajes:

- _[**Tu día es mi noche**](https://www.ambulante.org/catalogo/tu-dia-es-mi-noche)_ | _Your Day is My Night_ | Lynne Sachs | Estados Unidos | 2013 | Chino, inglés y español | Color | 64’

Varios inmigrantes que viven en un pequeño departamento enclavado en el corazón del barrio chino de Nueva York comparten sus historias de convulsión personal y política.

- _[**Película sobre un padre que**](https://www.ambulante.org/catalogo/pelicula-sobre-un-padre-que)_ | _Film About a Father Who_ | Lynne Sachs | Estados Unidos | 2020 | Inglés | Color | 74’

Durante 35 años, Lynne Sachs grabó a su padre para entender los lazos que la conectaban con él y con sus hermanas. Descubrió mucho más de lo que imaginaba.

El Programa Invocaciones Fílmico está conformado por los siguientes títulos:

 _[Atraídos y divididos](https://www.ambulante.org/catalogo/atraidos-y-divididos)_ 
 
 _[La casa de la ciencia: un museo de hechos falsos](https://www.ambulante.org/catalogo/la-casa-de-la-ciencia-un-museo-de-hechos-falsos)_
 
 _[De qué lado es el este: cuadernos de Vietnam](https://www.ambulante.org/catalogo/de-que-lado-es-el-este-cuadernos-de-vietnam)_ 

 _[Una biografía de Lilit](https://www.ambulante.org/catalogo/una-biografia-de-lilit)_ 

 _[Fotografia del viento](https://www.ambulante.org/catalogo/fotografia-del-viento)_ 

_[Los nervios](https://www.ambulante.org/catalogo/los-nervios)_ 

Y el Programa Invocaciones Digital está conformado por los siguientes títulos:


 _[Trabajo en la ventana](https://www.ambulante.org/catalogo/trabajo-en-la-ventana)_ 

_[Atalanta treinta y dos años después](https://www.ambulante.org/catalogo/atlanta-treinta-y-dos-anos-despues)_ 

 _[Un mes de fotogramas](https://www.ambulante.org/catalogo/un-mes-de-fotogramas)_ 

 _[Con el viento en el pelo](https://www.ambulante.org/catalogo/wind-in-our-hair-con-el-viento-en-el-pelo)_ 
 
_[Y entonces marchamos](https://www.ambulante.org/catalogo/y-entonces-marchamos)_ 

 _[Maya a los veinticuatro](https://www.ambulante.org/catalogo/maya-a-los-veinticuatro)_


 _[Un año en apuntes y números](https://www.ambulante.org/catalogo/un-ano-en-apuntes-y-numeros)_ 

 _[Carolee, Barbara y Gunvor](https://www.ambulante.org/catalogo/carolee-barbara-and-gunvor)_ 
 
 
**Programa de actividades en la Ciudad de México:**

**Jueves 11 de abril**

**Cineteca Nacional México**

17:00 h | Clase magistral | Marcos y estrofas. Lynne Sachs sobre el cine y la poesía.

Imparte: Lynne Sachs, cineasta.

19:00 h | Función + Q&A | _[Tu día es mi noche](https://www.ambulante.org/catalogo/tu-dia-es-mi-noche)_

Participa: Lynne Sachs, cineasta.

**Viernes 12 de abril**

**Cineteca Nacional México**

19:00 h | Función + Q&A | _[Película sobre un padre que](https://www.ambulante.org/catalogo/pelicula-sobre-un-padre-que)_

Participa: Lynne Sachs, cineasta.

**Sábado 13 de abril**

**Centro de Cultura Digital**

11:00 h | Taller | Abrir el álbum familiar*

Imparte: Lynne Sachs, cineasta.

*Sólo para participantes inscritos y aceptados.

16:00 h | Función + Q&A | [Programa Invocaciones Digital](https://www.ambulante.org/catalogo/invocaciones-retrospectiva-lynne-sachs-programa-digital)

Participa: Lynne Sachs, cineasta.

**Domingo 14 de abril**

**Centro de Cultura Digital**

Jornada | Invocaciones

11:00 h | Taller | Abrir el álbum familiar*

Imparte: Lynne Sachs, cineasta.

*Sólo para participantes inscritos y aceptados.

16:00 h | Función | [Programa Invocaciones Fílmico](https://www.ambulante.org/catalogo/invocaciones-retrospectiva-lynne-sachs-programa-filmico)

18:00 h | Proyección de resultados del taller “Abrir el álbum familiar”

Participa: Lynne Sachs, cineasta.

En esta edición, dedicamos una retrospectiva a la cineasta estadounidense Lynne Sachs, referente obligado del cine de vanguardia de los últimos años, cuya obra, tan personal —a veces incluso íntima—  como política, se caracteriza por una búsqueda estética y una experimentación poco complacientes que recurren al documental, el ensayo, el _collage_ y un sinfín de exploraciones formales y técnicas.


Invocaciones: Retrospectiva Lynne Sachs

EL CASO PADILLA-2_BAJA (1).jpg

Más de 100 películas forman parte de la Gira 2023, recorriendo cinco estados de México y ampliando su alcance con una selección de títulos en línea. 



2023

Esta reseña forma parte del _Cuaderno Ambulante_, la publicación editorial de la decimoctava edición de Ambulante Gira de Documentales.

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[_El caso Padilla_](https://ambulante.org/catalogo/el-caso-padilla) consta del compendio de acervos audiovisuales que registran uno de tantos actos oscuros de matiz estalinista en la política cultural cubana posterior a 1959. El protagonismo recae en una grabación inédita, realizada bajo la dirección de Santiago Álvarez en las instalaciones de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), que muestra los sucesos de la noche del 27 de abril de 1971: la autocrítica y la delación de otros escritores pronunciada por el poeta Heberto Padilla. 

El material, similar al del periodista Vitali Shentalinski y sus pesquisas sobre los arrestos literarios de la KGB, da fe de la palabra secuestrada. El ejercicio de consulta e intervención del archivo histórico, en el caso cubano, es una tarea pendiente en tanto la seguridad del Estado siga negando el acceso a la memoria. Pavel Giroud, por ejemplo, no ha revelado cómo tuvo acceso a las imágenes. 

La diégesis montada por Giroud es una provocación al asombro que anida en la risa irónica, pero también en el gesto iracundo. Vaivenes todos encarnados en la actuación especial de Heberto Padilla. “El Caso” se había podido reconstruir, hasta ahora, a través de testimonios y ensayos culturales sobre la época. Lo más cercano a estar en primera fila era leer las transcripciones de la autocrítica y dejar a la imaginación los matices e inflexiones de la palabra hablada. Con esta película, el espectador encarna el rol de testigo, que implica, a su vez, la condición de ser cómplice de la historia. El vínculo entre pasado reciente y presente continuo que toma lugar en las escenas finales conlleva la siguiente interrogante: ¿qué se respalda cuando se apoya al proyecto cubano de revolución? 


Hoy en día, las resistencias contra quienes ostentan el poder socavan desde la oscuridad de la noche, la memoria hilada en la invisibilidad, los susurros que circulan de boca en boca, los gestos desinteresados y los revestimientos inesperados. Todas éstas son condiciones intrínsecas al cine que, en esta selección de películas, se dan cita como un grito persistente por la justicia.

Resistencias

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Esta reseña forma parte del _Cuaderno Ambulante_, la publicación editorial de la decimoctava edición de Ambulante Gira de Documentales.

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La temprana muerte del documentalista Eugenio Polgovsky en 2017, cuando tenía apenas cuarenta años de edad, dejó un vacío en el cine nacional cuya verdadera hondura nunca conoceremos. ¿Qué otras obras nos habría entregado el resto de su carrera? ¿Qué películas de él nos harán falta? El eco de estas preguntas se pierde en el pasmo y en el silencio. Más todavía cuando _Malintzin 17_ deja un testimonio breve pero elocuente de su sensibilidad y talento para arraigar en lo cotidiano pequeños encuentros, recurrencias y evocaciones que se ordenan para transmitirnos una certeza básica y vital: basta observar con cuidado lo que tenemos enfrente para que descubramos un mundo. 

Durante una semana, Polgovsky, acompañado por su hija Milena, de entonces cinco años, filmó lo que se veía desde la ventana de su casa, ubicada en la calle Malintzin, número 17, en la colonia Del Carmen (Coyoacán). A partir de este material, Mara Polgovsky, hermana del documentalista, quien también había trabajado en sus películas anteriores, armó póstumamente _Malintzin 17_.  Hay un pájaro que cuida su nido construido sobre un manojo de cables eléctricos. Vecinos pasean a sus perros. Pasa el camión de la basura, el del gas. Dos amantes se despiden en la noche. Padre e hija conversan. La luna se asoma entre las nubes. Y así, poco a poco, como si nada fuera pasando, se produce una impresión significativa: entre el curso natural de las cosas, hay breves remansos donde el interés y la curiosidad encuentran un asidero. Y reunidos, sugieren algo mayor que los fragmentos de la vida: una emoción duradera. Que Eugenio Polgovsky encontrara esa emoción con tan solo asomarse por la ventana de su casa quedará para nosotros como un recuerdo de la clase de cineasta que era.

Invocaciones: Retrospectiva Eugenio Polgovsky

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**Sinopsis** La cineasta tsotsil, María Sojob, desentraña sus memorias familiares y raíces étnicas, en el cruce de la tradición indígena con el mundo occidental. Reflexiona sobre la afectividad y los roles de género en su cultura originaria; le inquietan la incierta traducción del concepto _amor_ en tsotsil y la pérdida de su lengua materna, asociada a la discriminación de quienes no hablan español. Platica con su madre e interpela a su abuelo mientras tejen un sombrero de palma, que se convierte en metáfora de la negociación entre culturas, géneros y generaciones. A través de diálogos y testimonios íntimos, nos involucra en un cine conversacional. Con pocos planos fijos y largos desafía la percepción común del tiempo, logrando un lenguaje fílmico fiel al ritmo de la cultura tsotsil. Lejos de copiar fórmulas narrativas, Sojob las resignifica según su propia cosmovisión, lo cual deriva en una autoetnografía sobre las nuevas sensibilidades y afectividades indígenas, desde una mirada juvenil y femenina. Así nos demuestra con sobriedad que en la cultura audiovisual contemporánea otros cines son posibles. Por Antonio Zirión, programador de Ambulante.   **Semblanza ** María Sojob (México, 1983) es una artista audiovisual de origen tsotsil. En sus proyectos explora las formas narrativas y estéticas desde su cosmocimiento como mujer maya tsotsil, el cual ha transportado a su desempeño profesional al impartir talleres de cine y producción a la niñez tsotsil. _Tote\_Abuelo_ es su ópera prima.   **Tráiler**

**\*\*Presentada con el apoyo de la [Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas](https://oscars.org/) de los Estados** **Unidos.**

Hablamos de lazos de sangre para referirnos a vínculos con los miembros de la familia. Esos lazos suelen afianzarse en la convivencia, ser sumamente fuertes y, de manera paradójica, invisibles. Sin embargo, ¿qué ocurre cuando carecemos del recuerdo nítido de un familiar? ¿Qué nos une más allá de la genética? Al inicio de la película, escuchamos a María Sojob:

> Tenía mucho miedo de acercarme a mi abuelo. La verdad es que nunca había tenido la intención de hacerlo. Nunca hasta que empecé a ser consciente de que en algún momento se iba a ir”. Así, la proximidad de la muerte detona un viaje a la comunidad de aquel hombre.

En este documental, los diálogos en tsotsil permiten desanudar el pasado, arrojan luz en la historia familiar y de los afectos. El entramado histórico se materializa simbólicamente en tanto el abuelo teje un sombrero. Las conversaciones traen de vuelta hechos violentos e injustos dentro y fuera de la casa: la discriminación hacia los integrantes de las comunidades indígenas, el machismo o las dificultades para acceder a la educación.

![](https://www.ambulante.org/wp-content/uploads/2020/05/TOTE_Still_03-1024x576.jpg)

Los planos generales de [_Tote\_Abuelo_](https://ambulante.org/catalogo/tote_abuelo) invitan a la exploración de los tiempos del campo, a internarse en la lentitud y el misterio; a la vez, apelan al paisaje interior que poco a poco construye Sojob. En ocasiones destaca el verdor de los árboles en un día caluroso, pero también surge la bruma y oscuridad. La alegría y el dolor crecen frondosas en la memoria.

> Jchamantik asat, me’/ yu’un ta jk’el ka’i spukujil antsetik./ Jchamantik ave,/ yu’un ta jkavta ka’i tas malem k’ak’al sbi jtot. (Madre, necesito de tus ojos / para ver nuestra maldad. / Necesito de tu boca,/ para gritar al atardecer el nombre de mi padre)”

Reza el inicio de un poema de Enriqueta Lunez, escritora chiapaneca. Los versos vienen a colación si pensamos que hablar una lengua equivale a encarnar un cuerpo, a entrar en contacto con la experiencia humana que heredan las palabras.

**Sabina Orozco** (Oaxaca, 1993). Estudió Letras Hispánicas en la UAM. Ha publicado textos críticos y de ficción en medios como _Este País_, _Tierra Adentro_, _Milenio_ y _Punto de Partida_. Fue becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas en el área de Narrativa.

Este año, Pulsos recoge una constelación de películas que proponen, cada una desde una luz singular, interrogantes sobre México y sus muchas sombras culturales, sociales y políticas. En conjunto, la presente selección contempla la realidad con tal fijeza que esboza para nosotros un porvenir colmado de posibilidades: la autoría colectiva bajo el signo del anonimato, la escucha de lenguas y cosmovisiones plurales y la continuación en el presente de bríos militantes pretéritos.

Pulsos

Conflictos sociales

Culturas y pueblos ancestrales

Familia

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**Sinopsis ** Luana Muniz fue una de las primeras mujeres transgénero en Brasil en abrazar su identidad plenamente. Fue, también, por su espíritu seductor y militancia, la travesti más conocida de la noche carioca. Ahora da vida a _Obscuro barroco_, filme que surge gracias a su complicidad con la cineasta griega Evangelia Kranioti. Para hablar de los espacios líquidos e incontenibles de su identidad transgénero, Luana toma prestados fragmentos de _Agua viva_, obra inconmensurable de Clarice Lispector: “Alcanzo lo real a través de los sueños”, es uno de ellos. Mientras tanto, un _clown_ sonámbulo y de gesto triste recorre incrédulo la noche embriagada de Río de Janeiro. Extrañas contradicciones: la ciudad de cuerpos libres, carnavales desenfrenados y florestas verdes, donde todo parece posible, en realidad censura, segrega y mata. Hablar de Brasil así, ahora, desde el gesto íntimo e insolente, es realidad un acto de amor y urgencia. María Campaña Ramia, programadora de Ambulante.   **Semblanza**  Evangelia Kranioti (Atenas,1979) es directora y artista visual. Ha expuesto su trabajo artístico desde 2007 en Francia, España, Grecia, Alemania e Italia, entre otros países. Su ópera prima _Exótica, erótica, etc_., fue estrenada en la Berlinale de 2015, y _Obscuro barroco_ ganó el Premio Especial del Jurado en los Premios Teddy de 2018.

> Si Río fuera una persona, sería trans. Porque es una fusión de colores, alegría, facetas e interpretaciones… Río de Janeiro es bella. Una hermosa trans”

Dice Luana Muniz, la estrella de [_Obscuro barroco_](https://ambulante.org/catalogo/obscuro-barroco). Este trascendental y vanguardista documental explora las celebraciones del carnaval, la vida nocturna LGBTQ y las protestas por los derechos de los trans en la ciudad carioca. Narrada por la majestuosa Luana, quien a lo largo de su vida fue una artista, activista y prostituta transgénero, la película es un testimonio de la belleza cruda y las luchas de las personas trans en Río de Janeiro. Es una oda artística y audaz a la oscuridad en la que los personajes del documental se crean y aprenden a brillar.

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Reclamando a Río como su escenario, Luana habla de la ciudad como un ambiente de infinitas posibilidades y constante reinvención: “Río de Janeiro es una fábrica de sueños, o pesadillas. En esos sueños, algunos se pierden, otros se encuentran, pero nadie entra en el mismo Río dos veces”. _Obscuro barroco_, que se presta a la metáfora de Río como mujer trans, explora los paralelismos entre los elementos esenciales de la ciudad y las experiencias de los individuos trans en la película. Uno de los principales símbolos de Río que captura el documental es el caótico encanto del carnaval: los disfraces extravagantes, el impresionante teatro, la samba enérgica. El carnaval brasileño es un momento para romper temporalmente las normas sociales y escapar de las dificultades diarias; es una oportunidad para asumir una identidad diferente, para fingir, para participar en el tabú y en lo fantástico— para celebrar sin inhibiciones.

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En todo su esplendor, la esencia del carnaval no es tan distinta del espíritu de las travestis, que se visten de forma bella, bailan y festejan como un acto de autoexpresión, solidaridad y desafío frente a las luchas que tienen que experimentar el resto del tiempo. Las fiestas LGBTQ capturadas en _Obscuro barroco_ son, como el carnaval, espacios en los que se suspenden las expectativas de la sociedad, lo que permite que las travestis sean ellas mismas, sin miedo, libres de las amenazas que existen más allá de ese espacio. Fiestas así son un momento efímero de libertad sin restricciones. “El carnaval pasa”, reflexiona Luana. “Sólo las trans se quedan, _travestidas_ en la esquina, es los escenarios, en los salones de belleza”.

_Obscuro barroco_ sumerge al espectador en la cruda, compleja y bella surrealidad de Luana Muniz y otras trans cariocas. Sin miedo a entrar a lo oscuro, el documental le jala la mano al espectador y le dirige a un rincón oculto de la fábrica de sueños y pesadillas que es Río de Janeiro, del cual quizás saldrá transformado también.

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Este año, las películas que conforman Intersecciones vislumbran el presente por fuera de él. Ensayan, desde el desfase, una mirada más precisa y hechizante: niños que ponen en perspectiva al mundo adulto, idiomas que transforman gramáticas, animales que fabulan la historia de la humanidad, imágenes que son espejos, encierros que acusan transparencia… Un mundo al revés que es en realidad el nuestro.

Intersecciones

Género

Gira

LGBTQ

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Ambulante Gira de Documentales abre su convocatoria para recibir cortometrajes de animación, experimentaciones audiovisuales y documentales mexicanos con un enfoque infantil y para público amplio que puedan formar parte de la programación de _Ambulantito_, la sección para niños y familias de Ambulante en su decimoséptima edición. 

La convocatoria estará abierta del 1 de febrero al 15 de marzo de 2022.

![](https://www.ambulante.org/wp-content/uploads/2022/01/CONVOCATORIA-AMBULANTITO-2022_post.png)

**Parámetros de selección**

* Para _Ambulantito_ buscamos cortometrajes de animación, experimentaciones audiovisuales y documentales sugerentes que exploren miradas, estilos y formas cinematográficas diversas y que inviten a las infancias y sus familias a expandir su mirada sobre el mundo, los afectos, el arte y sus formas fílmicas.
* Los cortometrajes deberán ser de interés para las infancias mexicanas y sus familias.

* Priorizaremos las películas que no tengan diálogos y que basen su propuesta narrativa en la relación entre imágenes y diseño sonoro (aunque no excluimos de la convocatoria a la diversidad de alternativas narrativas posibles).
* No recibimos trabajos con formatos o estilos televisivos.
* Para _Ambulantito_ no hay restricción en el año de realización de la película.
* Los materiales inscritos o entregados después de las fechas señaladas no serán considerados.
* Con la inscripción de un material, el propietario de la obra asume plenamente la aceptación de los términos de la convocatoria.
* El comité de Programación de Ambulante se reserva el derecho a incluir en las secciones los trabajos que tengan características distintas a las que señala la presente convocatoria en términos de duración, formato, años de producción, etc.
* Se recibirán películas terminadas o en desarrollo (_work in progress_)  
   * **Películas terminadas**: Deberán incluir un vínculo de visionado del filme que contemple nombre de usuario y contraseña y que permanezca activo hasta el 30 de septiembre de 2022  
   * **Películas en desarrollo (** **_work in progress_** **):** Deberán enviar un vínculo provisional de visionado en el formulario de inscripción bajo la condición y compromiso de entregar los materiales audiovisuales del documental terminado antes del 15 de junio de 2022

**Proceso de inscripción**

Llenar el formulario de inscripción con la información completa de la película**[ AQUÍ](https://airtable.com/shreF7NfY4WRWmXCV)**

**Selección**

La selección se llevará a cabo de manera interna bajo responsabilidad del comité de Programación de Ambulante. Las decisiones no representan un juicio sobre el valor de las propuestas, sino que responden a una búsqueda curatorial específica para cada edición. 

Se tomará en cuenta la creatividad e innovación en términos formales y la relevancia del contenido al momento de la selección. 

No se aceptarán trabajos institucionales o publicitarios, ni reportajes o trabajos de naturaleza o estética televisiva.

La lista de cortometrajes seleccionados por el Comité de Programación será publicada en la página web y redes de Ambulante. Los autores de los filmes seleccionados recibirán un correo con la notificación y la invitación oficial para formar parte de _Ambulantito 2022,_ desde el correo electrónico [prog@ambulante.org](mailto:prog@ambulante.org). Una vez aceptada la invitación, el cortometraje no podrá ser retirado antes ni durante su exhibición en la Gira.

**Exhibición**

**En caso de ser seleccionado, deberás enviar los siguientes materiales al correo previamente indicado (prog@ambulante.org). Se estipula un máximo de dos semanas desde la fecha en la que recibiste la invitación.** 

1. Archivo .mov codec ProRes 422HQ o 444 con resolución mínima de 1920×1080 y sonido .wav LPCM en 2.0 o 5.1 a 24 bits.
2. Subtítulos en español en un archivo .srt., si está hablada en alguna lengua indígena o un idioma distinto al español.
3. Datos de contacto de la directora o director y _press kit_ de la película.

Para más información, puedes leer el apartado de preguntas frecuentes a continuación. 

**PREGUNTAS FRECUENTES**

**¿Debo pagar alguna cuota de inscripción de mi proyecto?**

No.

**Ya estrené mi proyecto en México, ¿puedo inscribirlo en Ambulante?**

Sí.

**¿Qué años de realización aceptan en la convocatoria de Ambulantito 2022?**

Cualquier año, siempre y cuando no se haya mostrado antes en el festival y sea compatible con los criterios de búsqueda de la sección. (ver parámetros de selección).

**¿Qué premios o estímulos otorga Ambulante?**

Ninguno. Somos un festival no competitivo.

**¿Hay un límite para la cantidad de películas que pueden inscribirse?**

No.

**¿Quién define a qué sección se podría integrar mi película?** 

El comité de Programación de Ambulante toma las decisiones acerca de qué películas integrarán cada sección, dependiendo de las búsquedas curatoriales de cada año.

**¿Puedo inscribir un proyecto que no fue seleccionado en ediciones anteriores pero cuya producción todavía está dentro del rango temporal y territorial de la convocatoria?** 

Si, pero debes señalarlo en el formulario de inscripción. 

**Mi película no estará terminada antes del cierre de la convocatoria. ¿Puedo inscribirla?**

Sí. Como mencionamos en la convocatoria, estamos aceptando también películas en desarrollo. Lee atentamente las condiciones descritas en la convocatoria. 

**¿El cierre de la convocatoria es el mismo para proyectos terminados y en desarrollo?**

Sí, la fecha es la misma. Debes inscribir tu documental antes del 15 de marzo de 2022\. Solo es el vínculo de visionado lo que puedes enviar después, pero ten muy en cuenta que el plazo para recibirlo es el **1 de junio de 2022.**

**¿A quién envío el vínculo de visionado de mi proyecto en desarrollo?**

Deberás integrarlo en la ficha de inscripción de la convocatoria. 

**¿Hay prórroga para el envío del vínculo de visionado de mi proyecto en desarrollo?**

No. 

**¿Puedo enviar el material de mi proyecto con marca de agua o los sellos de eventos en los que haya participado?**

Sí.

**No recibí confirmación de correo al enviar la forma de inscripción. ¿Qué hago?**

No enviamos confirmación por correo. Si después de enviar el formulario apareció en tu pantalla el mensaje “Gracias por inscribir tu documental”, no tienes nada de qué preocuparte. Si no, vuelve a llenar y enviar el formulario. Si sigues teniendo problemas, escribe un mensaje a prog@ambulante.org.

**Sigo con dudas, ¿cómo puedo comunicarme con ustedes?**

Escribe un correo a prog@ambulante.org con el asunto “Duda convocatoria Ambulantito 2022”.

En el espacio exterior, como en el fondo del mar o frente a la magia de la pantalla de cine, perdemos gravedad y flotamos hacia todas direcciones. Ambulantito, la sección del festival dedicada a las niñas y los niños, juega con el cine del pasado y el futuro para invitarnos a descubrir lo más pequeño e inmenso de nuestro mundo.



Ambulantito

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Un paseo, de concientización y homenaje, por la música negra que surgió en Estados Unidos y nos ha alimentado a todos. En esta noche celebramos el funk, soul, jazz, hip hop, afrobeat, house, techno y sus variantes

El viernes 26 de febrero a las 20:00 hrs (CDT) tendremos una fiesta en línea a cargo de Nochenegra y Sonido Chaka-Bó para celebrar el cierre de _**Afrovisiones**_.

**¡Haz click en el player para entrar!**

Música

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**Gira digital**

Del 3 de septiembre al 9 de octubre, la Gira Digital estará disponible para usuarios y usuarias en toda la república mexicana a la par de la Gira de Documentales que recorre cinco estados del país.  

Los documentales estarán disponibles en https://streaming.ambulante.org/ por 29 horas, todos los días desde las 19:00 hrs.  

**Gira en televisión**

Desde su inicio, la misión de Ambulante ha sido llevar el cine documental a espacios a los que no llega fácilmente, por lo que unidas a este compromiso se busca a las televisoras nacionales y locales como sedes de la Gira de Documentales para ampliar el alcance que se tiene desde la programación. Apelando a que como pantalla, la televisión ha sido punto de encuentro para reflexionar, conversar y observar otras realidades.

Del 2 de septiembre al 8 de octubre, disfruta de la programación en Canal Once y Canal 22.

Descarga el programa [aquí](https://www.dropbox.com/scl/fi/x3yfje8rp9qi56ggtm712/PM_CDMX_2022_DIGITAL.pdf?rlkey=u7odjv8tcbouvyj3gv6tgph5j&st=u9bn64f1&dl=0)

[![](https://www.ambulante.org/wp-content/uploads/2022/09/Captura-de-pantalla-2022-09-07-a-las-12.21.40-287x352.png)](https://www.ambulante.org/wp-content/uploads/2022/09/PROGRAMA%5FDIGITAL%5FY%5FTV%5F2022.pdf)

Ch’ul be, senda sagrada

Adentro mío estoy bailando

Huellas

Injerto | Programa “Sobre el arte de la traslación”

Invocaciones | Retrospectiva a Lynne Sachs

Retrovisor | Programa “Miradas para habitar”

Sr

Nocturnas

El menú de los placeres: la familia Troisgros

Invocaciones | Retrospectiva Lynne Sachs

El caso Padilla

Malintzin 17

Tote_Abuelo: la herencia de las palabras

Espacios transcendentales

¡Abrimos la convocatoria para Ambulantito 2022!

¡Fiesta! Con Nochenegra y Sonido Chaka-Bó

¡Descarga el programa de la Gira digital y en Televisión 2022!

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