Ambulante Gira de Documentales abre su convocatoria para las secciones **Pulsos** (documental mexicano), **Ambulantito** (cine para las niñeces) y **Coordenadas** (producción local de cada una de las regiones que visitaremos) de su vigésima edición, la cual se celebrará de marzo a junio de 2025 en diferentes estados de la república mexicana.

La convocatoria estará abierta desde su publicación y **hasta el sábado 26 de octubre de 2024.**

**Bases de la convocatoria**

Cine mexicano

![ELECO_1BAJA.jpg](https://ambulante-aws-s3-media.s3.us-west-2.amazonaws.com/ELECO_1_BAJA_90b9965898.jpg)


Aquí se contemplan dos secciones: **Pulsos**, dedicada al panorama del documental mexicano contemporáneo y en la que también entran aquellos largometrajes filmados en México —o sobre lo que es vivir en México— aun si no son de producción nacional; y **Coordenadas**, que recoge la producción local de cada una de las regiones que visitaremos en la Gira 2025 (por anunciar).

- Se recibirán largometrajes, mediometrajes y cortometrajes documentales mexicanos. 
- Se recibirán películas producidas entre 2023 y 2024, e incluso películas en desarrollo con expectativa de estar terminadas, a más tardar, el 20 de diciembre de 2024.
- Los materiales inscritos o entregados después de las fechas señaladas no serán considerados.
- Al inscribir una película, el propietario de la obra asume plenamente la aceptación de los términos de esta convocatoria.
- El Comité de Programación de Ambulante se reserva el derecho a incluir en las secciones los trabajos que tengan características distintas a las que señala la presente convocatoria en términos de duración, formato, años de producción, etc.
- Se recibirán películas terminadas o en desarrollo (_work in progress_):

Películas terminadas: Deberán incluir un enlace de visionado de la película. De tener contraseña, ésta deberá permanecer activa hasta el 26 de octubre de 2024. Quien se inscriba es libre de elegir la plataforma por la cual nos hará llegar el material. 
Películas en desarrollo (_work in progress_):Deben enviar un vínculo provisional de visionado en el formulario de inscripción, bajo la condición y compromiso de, en caso de que la película sea seleccionada, contar con los materiales audiovisuales del documental terminado a más tardar el 20 de diciembre de 2024.

Ambulantito

![AGUA6_BAJA.jpg](https://ambulante-aws-s3-media.s3.us-west-2.amazonaws.com/AGUA_6_BAJA_facaee6994.jpg) 

**Ambulantito** acepta cortometrajes de animación, experimentaciones audiovisuales y documentales sugerentes que exploren miradas, estilos y formas cinematográficas diversas y que inviten a las infancias y sus familias a expandir su mirada sobre el mundo, los afectos, el arte y sus formas fílmicas.

- Los cortometrajes, con duración máxima de 30 min, deberán ser de interés para las infancias mexicanas y sus familias.

- Recibiremos trabajos de México, Centroamérica, el Caribe y Sudamérica.

- Priorizaremos las películas que no tengan diálogos y que basen su propuesta narrativa en la relación entre imágenes y diseño sonoro (aunque no excluimos de la convocatoria la diversidad de alternativas narrativas posibles).

- No recibimos trabajos con formatos o estilos televisivos.
- Se recibirán películas producidas entre 2023 y 2024, e incluso películas en desarrollo con expectativa de estar terminadas, a más tardar, el 20 de diciembre de 2024.
- Los materiales inscritos o entregados después de las fechas señaladas no serán considerados.
- Con la inscripción de una película, el propietario de la obra asume plenamente la aceptación de los términos de esta convocatoria.
- El Comité de Programación de Ambulante se reserva el derecho a incluir en las secciones los trabajos que tengan características distintas a las que señala la presente convocatoria en términos de duración, formato, años de producción, etc.
- Se recibirán películas terminadas o en desarrollo (_work in progress_

Películas terminadas: Deberán incluir un enlace de visionado de la película. De tener contraseña, ésta deberá permanecer activa hasta el 26 de octubre de 2024. Quien se inscriba es libre de elegir la plataforma por la cual nos hará llegar el material. 

Películas en desarrollo (_work in progress_): Deben enviar un vínculo provisional de visionado en el formulario de inscripción, bajo la condición y compromiso de, en caso de que la película sea seleccionada, contar con los materiales audiovisuales del documental terminado a más tardar el 20 de diciembre de 2024.

**Proceso de inscripción**

Llenar el formulario de inscripción con la información completa de la película [AQUÍ](https://airtable.com/appceuGEaU82sYhq7/shre5jcjkqKqdUzcZ).

**Selección**

La selección se llevará a cabo de manera interna bajo responsabilidad del Comité de Programación de Ambulante. Las decisiones no representan un juicio sobre el valor de las propuestas, sino que responden a una búsqueda curatorial específica para cada edición. 

Se tomará en cuenta la creatividad e innovación en términos formales y la relevancia del contenido al momento de la selección. No se aceptarán trabajos institucionales o publicitarios, ni reportajes o trabajos de naturaleza meramente televisiva.

Los autores de las películas seleccionadas recibirán una invitación a través del correo electrónico prog@ambulante.org, a más tardar en febrero de 2025, estableciendo la sección y la fecha de exhibición de cada documental. Una vez aceptada la invitación, el documental no podrá ser retirado antes ni durante su exhibición en la Gira.

Por la cantidad de trabajos recibidos, no nos es posible emitir una retroalimentación a cada película presentada, por lo que, de no ponernos en contacto en las fechas establecidas, queda por sentado la no selección de una película.


**Exhibición**

**En caso de ser seleccionado, deberás enviar los siguientes materiales al correo previamente indicado (prog@ambulante.org). Se estipula un máximo de dos semanas desde la fecha en la que recibiste la invitación.**

1. Archivo .mov códec ProRes 422HQ o 444 con resolución mínima de 1920 × 1080 y sonido .wav LPCM en 2.0 o 5.1 a 24 bits.
2. Subtítulos en inglés en un archivo .srt., si la película está hablada en español (opcional).
3. Subtítulos en español en un archivo .srt., si la película está hablada en un idioma distinto al español.
4. Datos de contacto del director y press kit del documental.
Adicionalmente, para Pulsos, DCP INTEROP o SMPTE, 24 o 25 fps con sonido 5.1 o superior.

**Preguntas frecuentes**

**¿Tengo que pagar alguna cuota de inscripción de mi documental?**

No, la inscripción es completamente gratuita.

**Ya estrené mi documental en México, ¿puedo inscribirlo en Ambulante?**

Sí, Ambulante no tiene ninguna restricción al respecto.

**¿Qué premios o estímulos otorga Ambulante?**

Ninguno. Ambulante es un festival de carácter no competitivo.

**¿Hay un límite para la cantidad de documentales que pueden inscribirse?**

No.

**¿Quién define a qué sección se podría integrar mi película?**

Si bien en la convocatoria tienes que señalar a qué sección aplicas, el Comité de Programación de Ambulante puede sugerir integrar tu película a alguna otra sección, según las búsquedas curatoriales de cada año.

**¿Puedo inscribir un documental que no fue seleccionado en ediciones anteriores pero cuya producción todavía está dentro del rango temporal y territorial de la convocatoria?** 

Sí, pero debes señalarlo en el formulario de inscripción. 

**¿La sección Pulsos sólo incluye largometrajes?**

No, en ocasiones incluimos también cortometrajes o mediometrajes cuando éstos dialogan con algún largometraje en particular o con la sección en general.

**¿La sección Coordenadas sólo incluye cortometrajes?**

No, en ocasiones incluimos también largometrajes cuando éstos abordan alguna temática de sumo interés para algunos de los públicos locales. 

**¿Cuál es la diferencia entre Pulsos y Coordenadas?**

Hay dos diferencias: el enfoque y el esquema de proyecciones. En Coordenadas nos enfocamos en seleccionar documentales particularmente relevantes para una región específica. Además, tiene un programa distinto en cada uno de los estados de la Gira. Por ejemplo, el programa de la sección de Coordenadas Veracruz sólo se proyecta en Veracruz, y es distinto al programa de Querétaro. Por otro lado, Pulsos es una sección que recorre todos los estados de la Gira.

**¿Los documentales de Coordenadas se muestran solamente en un estado de la Gira?**

Por lo general, sí. En la Ciudad de México, cuando el tamaño del circuito lo permite, proyectamos un programa de Coordenadas con algunos de los documentales que se mostraron en otros estados.

**Mi película no estará terminada antes del cierre de la convocatoria, ¿puedo inscribirla?**

Sí. Como mencionamos en la convocatoria, aceptamos también películas en desarrollo. Si el material que inscribiste es de interés para el equipo de selección, recibirás una solicitud para enviar una versión actualizada. En caso de ser seleccionado, los materiales terminados de tu proyecto tendrán que estar listos a más tardar el 1 de enero de 2025. Te recomendamos leer atentamente las condiciones descritas en la convocatoria. 

**¿El cierre de la convocatoria es el mismo para documentales terminados y en desarrollo?**

Sí, la fecha es la misma. Debes inscribir tu documental antes del 26 de octubre de 2024.

**¿A quién envío el enlace de visionado de mi documental en desarrollo?**

Deberás integrarlo en la ficha de inscripción de la convocatoria. 

**¿Hay prórroga para el envío del enlace de visionado de mi documental en desarrollo?**

No. 

**¿Puedo enviar el material de mi documental con marca de agua o los sellos de eventos en los que haya participado?**

Sí.

**No recibí confirmación de correo al enviar la forma de inscripción. ¿Qué hago?**

Si después de enviar el formulario apareció en tu pantalla el mensaje “Gracias por inscribir tu documental”, no tienes nada de qué preocuparte. Si no, vuelve a llenar y enviar el formulario. Si sigues teniendo problemas, escribe un correo a prog@ambulante.org

**¿Las secciones (Pulsos, Ambulantito y Coordenadas) están abiertas a documentales en desarrollo?**

Sí. 

**Sigo con dudas, ¿cómo puedo comunicarme con ustedes?**

Escribe un correo a prog@ambulante.org con el asunto “Duda convocatoria 2025”.

_Cualquier caso no previsto en la presente convocatoria o derivado de ésta será resuelto por el Comité de Programación de Ambulante_


[**Descarga la convocatoria completa aquí**](https://www.catedrabergman.unam.mx/wp-content/uploads/2024/09/Convocatoria_-Taller-Sosteniendo-procesos-de-trauma-social-desde-el-arte.docx.pdf)

**Fecha:**
Del sábado 19 de octubre de 2024 al martes 13 de mayo de 2025.

**Cierre de convocatoria:**
20 de septiembre de 2024.

**Horarios:**
Sábados de 10:00 a 14:00 h y de 15:00 a 18:00 h; martes de 10:00 a 11:30 h.

**Sedes:**
Sesiones sincrónicas a distancia vía Zoom y presenciales en la Casa del Lago de la
Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM en la Ciudad de México.

**Tipo de actividad:** Taller híbrido.

**Público al que va dirigido:**
Personas mayores de edad que ejerzan profesionalmente en contextos artísticos, culturales y educativos (artistas, docentes y responsables de proyectos culturales), interesadas en la mediación somática aplicada al contexto del arte, que trabajen con grupos sociales y comunidades específicas.

**Cupo mínimo:**
10 participantes.

**Cupo máximo:**
20 participantes.

**Objetivos generales:**
- Capacitar a personas de diferentes procedencias y disciplinas para que puedan replicar y sostener dinámicas grupales en las que se procesa el trauma social a través de la mediación artística-somática: procesar en grupo lo que el arte evoca.
- Otorgar las herramientas metodológicas y los marcos teóricos para implementar procesos de mediación informada en trauma de forma responsable y creativa.
- Acompañar la elaboración de un insumo teórico que dé cuenta de la experiencia, evalúe sus resultados y permita su multiplicación en diversos territorios y contextos.

**Introducción:**
El taller “Sosteniendo procesos de trauma social a través arte”, es
la primera edición de un espacio de formación y laboratorio organizado por la
Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM, en colaboración con Ambulante Gira de Documentales, el festival de cine documental
de mayor alcance en México y un espacio de exhibición único en el mundo.

El objetivo del taller es formar a las personas participantes con herramientas y
estrategias metodológicas propias de la terapia somática que les permitan mediar
entre una acontecimiento artístico o una obra de arte y un grupo específico de
personas, para acceder a las heridas de nuestra sociedad y procesarlas.
 
Esta formación, con una duración de seis meses, la cual comprende tres módulos
bimestrales, busca profundizar en la conexión con la interocepción (la capacidad
de sentirnos a nosotros mismos), la relación entre lo que el arte —y en especial el
cine— nos provoca, y la exploración de herramientas para poder sostener y
metabolizar experiencias a nivel individual con impacto en el colectivo.

Hoy en día el arte trabaja con temáticas que pueden detonar reacciones
emocionales profundas en los públicos y de las que, cada vez más, resulta de
interés acompañar de forma responsable tanto para las instituciones públicas y
privadas que organizan espacios de exhibición, como para quienes desarrollan
una práctica artística o educativa donde lo sensible juega un papel central.

Para su desarrollo se implementarán espacios de aprendizaje colectivo y trabajo
individual a través de tres módulos. Cada módulo contempla sesiones a distancia
en línea y espacios de encuentro presencial en la Casa del Lago de la
Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM en la Ciudad de México. La
coordinación del curso está a cargo de Esmeralda Brinn, terapeuta somática
enfocada en trauma y adicciones.

La Cátedra Bergman se ha destacado en los últimos años como un espacio
comprometido con la promoción de estrategias de cuidado en la creación artística
desde una perspectiva interseccional. De esta manera, busca impulsar un entorno
más inclusivo y consciente de las diversas realidades que componen nuestra
sociedad.

Realizar este proyecto en colaboración con Casa del Lago, refuerza esta línea de
trabajo al unir esfuerzos en la búsqueda de nuevas formas de pensar el arte y su
rol en la construcción y reconstrucción del tejido social.

La formación busca forjar una comunidad de personas de diversas procedencias,
quienes a través del diálogo y el intercambio de herramientas, enriquezcan el
valioso trabajo que realizan con el potencial del arte y la somática para
transformarnos.

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**Antecedentes:**
La palabra _trauma_ se usa muy a la ligera. Hablamos de éste como
si fuera algún tipo de evento terrible o tragedia que sucede sólo a algunos. Pero
en el verdadero sentido, el trauma no es un evento específico. No se refiere a una
situación difícil que nos marca en un instante, sino a lo que nos pasa internamente
como seres humanos cuando padecemos algo por demasiado tiempo o cuando
tenemos demasiado poco de algo que necesitamos por mucho tiempo.

El trauma es una interrupción dolorosa que perdura en el desarrollo de la persona,
la causan múltiples factores del entorno y de nuestra sensibilidad particular,
resurge una y otra vez en la vida adulta y nos hace reaccionar automáticamente
en nuestras relaciones interpersonales. Estas reacciones, completamente
inconscientes, ponen en pausa nuestro desarrollo pleno y nos mantienen en
estado de alerta y de supervivencia para protegernos del dolor infantil hasta que
nuestra psique adulta logra comprender lo que no pudo en su momento. Los
automatismos producen situaciones que son ecos de la infancia, generan los
mismos conflictos y el mismo dolor el cual intentamos, al mismo tiempo, reprimir:
este círculo vicioso lo vuelve más y más poderoso.

Las respuestas automáticas que intentan protegernos del dolor se generan por la
falta de una contención amorosa, presente, conectada emocionalmente durante
los primeros años del desarrollo. Y esa falta es un problema social, no individual.
Por eso es importante generar espacios colectivos que proporcionen la
oportunidad, la libertad y la seguridad para explorar nuestros sentimientos sin ser
juzgados, reprimidos, violentados o desvalorizados. Justo ésta es la propuesta del
taller: formar a un grupo de personas que sean capaces de guiar espacios de
mediación con el público al término de funciones de cine u otros espacios
artísticos, para conversar sobre distintos paisajes del dolor humano colectivo a la
vez que proponemos dinámicas _in situ_ para experimentar sensorialmente en
nuestros propios cuerpos el procesamiento del trauma social. La meta es que la
experiencia cinematográfica sea una oportunidad para que los públicos exploren el
dolor en otros y en cada uno, que dejemos de reprimir la tristeza, la angustia y el
coraje que produce nuestra realidad, que profundicemos en sus causas sociales y
desarrollemos la capacidad de introspección. El objetivo es crear una dinámica
colectiva de diálogo, escucha y confianza.

Este taller es resultado de un primer proyecto piloto de mediación somática.
Utilizamos este término para nombrar aquella mediación con los públicos donde
queremos abrir espacio para las sensaciones, las emociones y las opiniones que nos permitan nombrar y arrojar luz sobre aquello que, aunque está presente, no es
evidente; queremos dejar de distanciarnos y dejar de normalizar creencias que
perpetúan la tensión humana. Propusimos entonces inducir acciones colectivas
que nos permitieran reconocer en cada uno de nosotros el dolor, porque al sentir
de forma individual el trauma social se lo puede sostener con mayor facilidad. La
apuesta central fue comenzar a abrir más espacios seguros donde pudiéramos
mirarnos unos a otros con honestidad, donde pudiéramos abrir nuestra
vulnerabilidad y entender mejor las emociones de nuestros semejantes.

Seleccionamos dos documentales para llevar a cabo esta iniciativa, pues ambos
ofrecen una ventana a dos puntos importantes del trauma social: _Zona Norte_ de
Javier Ávila y _Las hijas de Olfa (Four Daughters)_ de Kaouther Ben Hania. El
experimento en colaboración con Ambulante permitió, gracias a la actividad de
mediación al término de estas dos películas, responder de manera activa al
encuentro doloroso que se produce entre una obra fílmica y sus espectadores en
la sala. Partimos del conocimiento de que el dolor de los protagonistas resuena
con fuerza en el espectador y activa su propio dolor. El cine documental no refleja
dolores lejanos, sino que interpela la memoria afectiva de los cuerpos sintientes
que observan historias en la sala oscura. Pese a que los protagonistas de la
película y los espectadores viven situaciones distintas, comulgan en la sala de
cine al identificar que padecen de forma similar el trauma social. Nuestra
propuesta fue aventurarnos en una actividad que nos permitiera abrazar ese
encuentro colectivo para motivar una transformación en los espectadores.

A partir de los resultados de estas primeras experiencias piloto (cuatro
proyecciones con mediación somática en la Ciudad de México y Morelia,
Michoacán), el potencial de este trabajo quedó al descubierto, así como la
necesidad de formar bases que puedan replicar esta experiencia en diversos
escenarios y contextos.

El arte tiene un poder único para abordar el trauma social porque permite expresar
lo indescriptible con palabras. Esta expresión no solo ayuda a liberar tensiones y
dolores profundos, sino que también puede resonar con otros, creando una
conexión empática y un sentido de comunidad.

Además, a través de proyectos artísticos colaborativos, las comunidades pueden
enfrentar o conocer el trauma compartido, encontrar sublimación en la creatividad
compartida y generar un espacio para la reflexión y el diálogo que promueva la
reconciliación y la cohesión social.

Sin embargo, aunque el arte es una herramienta poderosa para expresar y liberar,
no es suficiente por sí solo para procesar el trauma colectivo de manera completa.
El arte puede abrir la puerta a la catarsis, pero si no sostenemos en presencia lo
que surge —si no nos permitimos estar plenamente conscientes y comprometidos
con las emociones y recuerdos que emergen para que sean metabolizados en
nuestro sistema nervioso sin tanta narrativa— corremos el riesgo de simplemente
alimentar el dolor y perpetuar las narrativas que nos contamos. Es crucial que el proceso artístico esté acompañado de un trabajo profundo en el que podamos
integrar lo que se expresa, dándole un sentido y permitiendo una verdadera
sanación. Sin esta presencia consciente, el arte puede convertirse en un canal
para revivir el dolor en lugar de transformarlo, fortaleciendo los mismos caminos
neurológicos, las mismas reacciones ante nuestra narrativa de vida o percepción
de la realidad. Es pionero en esta etapa de evolución social el integrar disciplinas
artísticas y terapéuticas para que realmente se genere una sanación colectiva y
que aquéllos que le dan voz al inconsciente, tomen responsabilidad de lo que se
genera y utilicen el potencial de la expresión artística junto con los nuevos
conocimientos para llevar el trabajo a otro nivel.

La pertinencia y particularidad de la formación que ofrece este taller fortalece a
partir del formato híbrido, ampliando el público interesado a personas provenientes
de distintas regiones del centro de país, cercanas a la Ciudad de México, donde
periódicamente ocurrirán los encuentros presenciales. Por el carácter práctico del
trabajo con comunidades, estos encuentros son fundamentales para generar una
puesta en común y fomentar el intercambio de ideas y experiencias.

**Temario:**
El temario está distribuido en tres módulos de dos meses de duración cada uno, con 66 horas de duración en total, impartidos por Esmeralda Brinn.

**MÓDULO 1 |** Interocepción y trauma

**MÓDULO 2 |** Reconocer lo que el exterior provoca en el interior

**MÓDULO 3 |** Sosteniendo el proceso individual y colectivo

[Consulta el temario completo en la convocatoria aquí](https://www.catedrabergman.unam.mx/wp-content/uploads/2024/09/Convocatoria_-Taller-Sosteniendo-procesos-de-trauma-social-desde-el-arte.docx.pdf)


**Breve semblanza de la coordinadora**
**Esmeralda Brinn (México)**

Nació en San Miguel de Allende, Guanajuato, México. Desde sus 16 años ha estudiado distintas técnicas terapéuticas como la terapia neural y kinesiología. En una búsqueda personal, unificó sus caminos hace 15 años, cuando realizó la formación de tres años como Educadora Somática con la escuela de movimiento somático Body Mind Movement en México, dirigida por Mark Taylor (Estados Unidos). Después cursó la formación avanzada, especializándose en trauma y sistema nervioso por 3 años más, trabajando a la par en investigaciones gastronómicas relacionadas a la salud, el arte y las relaciones humanas. Se dedicó unos años a consultorías y proyectos artísticos y ecológicos. Su investigación personal la llevó a encontrar la conexión entre el ecosistema, la microbiota y los estados psíquicos. Por último, hace unos años se especializó en trauma y adicciones con el Dr. Gabor Maté, médico y escritor canadiense, autor del libro _Cuando el cuerpo dice no_, y continúa haciendo sus propias investigaciones en el campo de la salud, la psique, la nutrición y el ecosistema. Todas estas disciplinas se unen bajo la visión somática.

**Objetivos generales:**
- Capacitar a personas de diferentes procedencias y disciplinas para que puedan replicar y sostener dinámicas grupales en las que se procesa el trauma social a través de la mediación artística-somática: procesar en grupo lo que el arte evoca.
- Otorgar las herramientas metodológicas y los marcos teóricos para
implementar procesos de mediación informada en trauma de forma
responsable y creativa.
- Acompañar la elaboración de un insumo teórico que dé cuenta de la
experiencia, evalúe sus resultados y permita su multiplicación en diversos
territorios y contextos.

**Duración total en horas:**
El taller consta de un total de 66 horas.
A estas actividades sincrónicas de aprendizaje colectivo presencial y a distancia, se suma el tiempo que cada participante decida dedicarle a las lecturas y procesos de escritura requeridos.

**Costo de inscripción:**
$3,000.00, 50% de descuento a personas mayores de edad de Comunidad UNAM con credencial vigente, a Exalumnos y Egresados UNAM, docentes de Sistema Incorporado con credencial vigente y personas con credencial de INAPAM.

Se otorgarán tres becas completas. Las personas interesadas, deberán exponer sus motivos en la carta con la que se realizará la postulación. Se le dará prioridad a personas en situación de vulnerabilidad.

**Método de inscripción y requisitos:**

1. Las personas interesadas deberán llenar sus datos de contacto y adjuntar
la documentación solicitada en el [formulario de registro](https://docs.google.com/forms/d/1cLa78Ado-imSswh1QcGJwpgLCFhGGX2ZItZFFt_Xafk/edit) disponible en el sitio
web de la Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman: **catedrabergman.unam.mx**

2. En el formulario se les solicitará adjuntar una una carta de motivos donde
expresen sus razones para tomar el taller. En caso de solicitar beca completa, será necesario exponer los motivos en el cuerpo de la carta.

3. El formulario de registro estará abierto hasta el **20 de septiembre del 2024.**

4. El día 7 de octubre de 2024 las personas seleccionadas recibirán un correo
en el que deberán confirmar su participación en el curso. Posteriormente,
recibirán los datos e indicaciones para efectuar el pago vía transferencia o
depósito en efectivo. También pueden realizarse pagos en las instalaciones
de Filmoteca UNAM, presentándose de lunes a viernes, en un horario de
9:30 a 14:30 horas y de 16:30 a 18:00 horas. Habrá lista de espera.

5. En cualquier modalidad de pago, el envío del comprobante deberá
realizarse en el transcurso de las siguientes 48 horas después de haber
sido contactados los primeros aspirantes. De no ser así, se le dará
oportunidad al siguiente en la lista de espera.

**Nota importante:** Es posible que las sesiones del curso sean grabadas con fines académicos y/o de difusión, por lo que es indispensable que las personas inscritas envíen la carta de autorización que se les proporcionará por correo debidamente
llenada y firmada, en un lapso no mayor a dos días.

**Materiales necesarios:**
- Computadora con videocámara y micrófono.
- Conexión a internet.
- Software para videoconferencias en Zoom (gratuito).
- Cuenta de correo electrónico y Google Classroom (gratuitas).

**Permanencia y egreso de los participantes:**
- Para acreditar el taller será requisito indispensable contar con un mínimo del
70% de asistencia a las actividades, realizar el total de las entregas por
módulo y desarrollar un insumo teórico sobre la propia práctica a manera de
trabajo final.

**Criterios y estrategias de evaluación:**
- El avance en cada módulo representa el 25% de la evaluación final y el
trabajo final que será evaluado por la coordinadora el 25% restante. La
calificación otorgada al término del curso será la suma de dichas
evaluaciones.

**Organiza:** 
Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM y Filmoteca de la
UNAM.

**Colaboradores:**
En colaboración con Ambulante, con el apoyo de la Casa del Lago.

**Más información:**
catedrabergman.unam.mx

**Contacto:**
comunicacion@catedrabergman.unam.mx
+52 1 55 50 683299

![Captura de pantalla 2024-09-06 a la(s) 4.47.05 p.m..png](https://ambulante-aws-s3-media.s3.us-west-2.amazonaws.com/Captura_de_pantalla_2024_09_06_a_la_s_4_47_05_p_m_37f790476b.png)

En colaboración con la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, de junio a noviembre contaremos con una proyección y un taller cada mes para las infancias, en el Museo Yancuic en la alcaldía Iztapalapa.

Aquí la cartelera de junio:

Sábado 15 de junio, 12:00 h |
[**Ambulantito. Programa Cosmofolia**](https://ambulante.org/catalogo/ambulantito-programa-3-cosmofolia) 

Función para niños, niñas y familias en donde nos preguntaremos ¿dónde se esconden los secretos del mundo natural? ¿Cómo los escuchamos? ¿Cómo nos habla la naturaleza?
Multiforo del Museo Yancuic | Entrada gratuita. Cupo limitado

Domingo 16 de junio, de 11:00 a 15:00 h | [**Laboratorio Imaginaria: visiones desde el museo** ](https://ambulante.org/calendario/272)

Imparte: colectivo @mecuate_tallleres_naturaleza

En este laboratorio, jugaremos a explorar lo que sucede dentro del museo y cómo podemos reinventar sus espacios y objetos con nuestra imaginación usando herramientas del cine.
Dirigido a infancias de 7 a 12 años y familias | Gratuito
El acceso al Pabellón Arrecife es únicamente con calcetines, tus zapatos los podrás resguardar en la entrada del Pabellón donde estarán seguros y vigilados. ¡Trae tus calcetines favoritos!
Registro previo [aquí](https://airtable.com/appY0fPvxEMVwi3hk/shr31WGZmr9aRWzP3).


Consulta nuestra el [**calendario**](https://ambulante.org/calendario) en nuestro sitio web y redes sociales para conocer las actividades de cada mes.


Valeria Sarmiento | Chile, Francia | 2023 | Español | Color | 63’


En _[Huellas](https://www.ambulante.org/catalogo/huellas-1)_, la cineasta Valeria Sarmiento, tras años de autoexilio en Francia y guiada por la culpa y la búsqueda de redención, regresa a su natal Chile para realizar un documental sobre las desafortunadas herencias de la dictadura militar pinochetista, a treinta años de su finalización.

En la película hay un breve momento que resulta esencial: un pequeño niño, con los ojos vendados y palo en mano, intenta enérgicamente, sin éxito, pegarle a una piñata. Al final de los quince segundos que dura el fragmento, en el niño se pueden percibir dos cosas: el mareo producido por tantear a ciegas, lo que le ha hecho perder el control sobre su cuerpo, y la presencia de una cierta desilusión que lo lleva a dejar caer desinteresadamente el palo. Este plano expone muchas de las intenciones y posturas de la directora en su acercamiento a uno de los episodios políticos más oscuros de Latinoamérica en el siglo XX. 

La selección de Sarmiento de este instante nace de una decisión discursiva: utilizar una figura infantil para representar la conciencia de la cineasta sobre la tarea a la que ella misma se convoca, que es entender de forma colectiva las cicatrices —en algunos casos, heridas aún abiertas— de las violencias y opresiones ejercidas en Chile por el régimen militar de Pinochet durante cerca de tres décadas. 

El mareo del niño es el de la cineasta y los espectadores: resulta abrumador escuchar un torrente de testimonios intergeneracionales de dolor, miedo y pérdidas que integran este documento histórico. La desilusión del niño, por su parte, se puede comparar con el efecto que provoca el intento de cubrir poliédricamente un periodo así de convulso. 

A su vez, la escena del niño es una breve transición entre dos entrevistas de las tantas que componen el filme y a través de las cuales la cineasta, sabedora de su distancia con los hechos, busca una pluralidad de perspectivas sobre las consecuencias dictatoriales en la sociedad chilena. Una especialista, por ejemplo, nos explica lúdicamente las secuelas químicas, a nivel anatómico, del estrés postraumático tras la violencia. 

_Huellas_ es un sutil gesto de Valeria Sarmiento que busca yuxtaponer a quienes investigan lo invisible con el carácter físico de que los dota el cine, que conjura el pasado con el presente, y registra aquello que reniega la permanencia, que no quiere materializarse —porque el olvido le es conveniente— y utiliza el lente como microscopio para poder ver esos vestigios que habitan todos los días en el rostro y la voz de cada chileno, en fachadas de casas, calles, esquinas (cada una con historias terribles), y que no deberían quedar en el olvido pues merecen, a través del ejercicio de la memoria, el registro y el testimonio como exorcismo, la certeza de un mejor futuro. 

_[Nocturnas](https://www.ambulante.org/catalogo/nocturnas-1)_ | _Nocturnes_

Anirban Dutta, Anupama Srinivasan | India, Estados Unidos | 2024 | Inglés, hindi, bugun | Color | 83’

Una oscuridad profunda, ambientada por el eco de voces sigilosas, anuncia la llegada de la noche en la selva al este de los Himalayas. La armonía tejida entre cantos interespecie advierte la posibilidad de un universo oculto entre la vastedad de las tinieblas. Esta experiencia intimidante, que nos empuja a habitar el miedo y el asombro simultáneamente, adquiere un poco de ligereza gracias a la presencia de una luz fosforescente. Un grupo de figuras dispersas se muestra poco a poco en la penumbra. Entre zumbidos y aleteos, la cámara nos acerca a un panorama visual electrificante: una nube de polillas reposa sobre una pantalla iluminada. La espera y la observación prolongadas nos permiten trascender el estado inicial de parálisis nocturna para sumergirnos de lleno en una diversidad de siluetas, matices y texturas. Como si se tratara de un efecto hipnótico, nuestro espacio-tiempo se sintoniza con el goce extático que experimentan las polillas al contemplar la luz.

En _Nocturnas_, filme dirigido por Anirban Dutta y Anupama Srinivasan, el anochecer se presenta como un portal hacia sensibilidades alternas y formas inexploradas. La lentitud, la sutileza y la escucha atenta encauzan el acercamiento de una investigadora, Mansi Mungee, y su equipo de trabajo a un remoto ecosistema en el que habitan cientos de especies de polillas y mariposas nocturnas. A pesar de los fines científicos de su búsqueda, las hipótesis e interpretaciones permanecen ausentes en gran parte de su tránsito por la selva y, por ende, de la película. En su lugar, Dutta y Srinivasan optan por acompañar los ritmos y las pausas esenciales en los encuentros de Mansi con las polillas. La contemplación y la espera son constantemente invocadas a través de distintos elementos del entorno natural, como la transición a la noche, la precisión del ciclo lunar y el abrazo de la niebla. Esta alineación con otras temporalidades trastoca discretamente su principal herramienta de comprensión y estudio: la mirada humana.

Uno de los objetivos primordiales del trayecto emprendido por el grupo es la recolección sistemática de fotografías de las distintas especies que habitan la zona, con especial énfasis en las polillas halcón. Cada noche, Mansi y su equipo se dedican a capturar cientos de imágenes en un punto determinado de la selva. Una vez completado el mapeo del territorio, las fotografías serán procesadas digitalmente para clasificar y estudiar la anatomía de las polillas halcón.

Sin embargo, el acceso al conocimiento que prometía la imagen no se materializa en los términos deseados por el grupo de investigadores. En la práctica, el registro fotográfico se ve rezagado por contratiempos climáticos, dificultades en los traslados y, contra las expectativas de Mansi, anomalías en el comportamiento de las polillas. “Necesitamos entender este sitio desde la mirada de una polilla, y sospecho que eso podría tomarnos décadas”, advierte un miembro del equipo. Por si no fuera suficiente, una cantidad significativa de las fotografías recopiladas será probablemente desechada o de poco uso para la investigación. El paso de las noches expone a la imagen y al sujeto humano que la genera como incapaces de comprender la experiencia de la polilla.

El fracaso de las herramientas racionales en el encuentro con las polillas abre la puerta a nuevas formas de acompañamiento interespecie. Entregarse a estos ritmos de contemplación y escucha implica conectar con la sabiduría de seres que han habitado el planeta cerca de 300 millones de años y han sobrevivido a cinco eventos de extinción masiva. Presenciar la quietud y el silencio de las polillas, y abrazar sus misterios y secretos implica comenzar a desprenderse de las lógicas fundacionales del Antropoceno.


En el idioma español utilizamos la palabra _traslación_ para referirnos al movimiento de un cuerpo celeste, por ejemplo, el de la Tierra alrededor del Sol. Orbitar. Se traduce al inglés como _translation_, palabra que en otro contexto significa _traducir_.

Traducción-traslación: ¿la coincidencia de estas palabras en inglés tiene alguna influencia en cómo se percibe el acto de traducir en la cultura angloparlante? ¿Qué relación tiene con el interés de cineastas experimentales estadounidenses en producir imágenes de México como un intento de interpretar una cultura diferente a la suya? ¿Es el movimiento de un cuerpo alrededor de otro un comienzo para traducir la experiencia física en una obra artística?

En este programa se reúnen obras de cineastas que sortean el primer impulso de la mirada exotista sobre lo que México significa para ellos. Orbitando la frontera o visitando algunos de los territorios que configuran el mapa de lo _mexicano_, convierten el contraste geográfico en un imaginario que a la luz del paso del tiempo, revelan los deseos e interpretaciones del visitante: ya sea cineasta, turista, etnógrafo o explorador.

Las películas de este programa forman parte del catálogo de Canyon Cinema, organización fundada en 1961 en el patio trasero de Bruce Baillie en Canyon, California, la cual se dedica a acercar al público al cine experimental, independiente y no comercial. Este programa es una oportunidad para dialogar en torno a la producción cinematográfica que vincula a nuestro país con el país vecino. (1)

En el programa participan las cineastas Naomi Uman y Azucena Losana, quienes son ampliamente conocidas en la comunidad de cine hecho en soporte fílmico en México. Sus obras _[Película privada](https://www.ambulante.org/catalogo/pelicula-privada)_ (_Private Movie_) y _[La cuarta plantación](https://www.ambulante.org/catalogo/la-cuarta-plantacion)_, respectivamente, ejemplifican los extremos de la relación entre ambos países. Mientras la primera muestra de forma íntima uno de los motivos que la trajo a radicar a México; la segunda, a partir de las películas turísticas que permanecieron dormidas hasta hace pocos años en la embajada de México en Argentina compila el retrato de un territorio que se maquilla para la mirada extranjera.

Por su parte, _[En la línea](https://www.ambulante.org/catalogo/en-la-linea)_ (_On the Line_) traza un viaje desde Baja California hasta el trópico de Cáncer utilizando una partitura original y un diseño de sonido que aportan a la pieza un tono humorístico pero siniestro; mientras que _[En algún lugar entre Jalostotitlán y Encarnación](https://www.ambulante.org/catalogo/en-algun-lugar-entre-jalostotitlan-y-encarnacion)_ (_Somewhere Between Jalostotitlán and Encarnación_) es un diario de viaje que combina imágenes de México y Estados Unidos con reflexiones sobre la vida y la muerte.

Completan el conjunto, alternándose en los estados que visita Ambulante Gira de Documentales: _[Cosas de mi vida](https://www.ambulante.org/catalogo/cosas-de-mi-vida)_ y _[Paraíso artificial](https://www.ambulante.org/catalogo/paraiso-artificial)_ (_Artificial Paradise_), obras de Chick Strand, quien, además de dedicar buena parte de su trabajo a México, fue una miembro fundadora de Canyon Cinema. 

Así mismo, en el programa expandido de la sección que se presenta en Querétaro y la Ciudad de México se podrá disfrutar del largometraje _[Chulas fronteras](https://www.ambulante.org/catalogo/chulas-fronteras)_, de Les Blank y Chris Strachwitz: una mirada compleja y reveladora sobre la experiencia chicana reflejada en la vida y la obra de los músicos norteños más aclamados en la frontera entre Texas y México a finales de la década de 1970, incluidos Los Alegres de Terán, Flaco Jiménez y Lydia Mendoza. La Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos agregó esta película al Registro Nacional de Cine, una selección de películas que se preservarán a perpetuidad por su importancia histórica y cultural.

(1)  Para ahondar más en ello, recomiendo revisar el “Directorio de películas de Canyon Cinema con locación o temática vinculada a México”, listado crítico que prepararon Brett Kashmere y Seth Mitter para la publicación _Cine-Espacios_, _Zinemacine_, no. 8, 2021-2023. Esta publicación, que preparé junto con mi colega Walter Forsberg, es la semilla de este programa de Ambulante. 


Humberto Gómez Pérez | México | 2023 | Tsotsil | Color | 70’

La primera imagen de una película siempre es definitoria. Es el momento en que las expectativas se decantan, adquieren forma y nos proveen de una mirada con la que nos guiaremos en adelante. A este respecto, el inicio de _[Ch’ul be, senda sagrada](https://www.ambulante.org/catalogo/chul-be-senda-sagrada)_ es modélico. Una voz relata en tsotsil la creación del mundo desde la cosmovisión maya. Nos habla de que al principio de todo sólo existía el cielo y su oscura noche, mientras vemos, precisamente, a la solitaria luna como un faro rodeado de penumbra. Lo visible es un correlato de lo dicho, como si las palabras, al pronunciarse, permitieran que todo apareciera. Y así, paulatinamente, se van desvelando otros elementos: los árboles, los animales y los humanos. Los espectadores presenciamos, pues, un mundo en vías de hacerse, pero también, una concepción determinada, ligada al mito, de este origen del mundo. Ya ahí notamos la importancia que tiene para los realizadores de este documental el entendimiento con que las personas interpretan y explican aquello que las rodea y las conforma. Y sobre todo, la manera en que la concepción cinematográfica se entrelaza con la del pueblo de San Andrés Larráinzar, asumiendo que esta forma expresiva puede ser también constitutiva, tal y como lo es la transmisión oral de las tradiciones, y acaso una vía para la preservación de la memoria de toda una comunidad.

Así, la creación del universo ocurre junto a su puesta en imágenes. Este marco de lectura nos da los instrumentos para cifrar el resto de la película, pues nos muestra que las cosas no se reducen a sí mismas, también las moldea su pasado y su herencia, las creencias, los sueños, la compartición y la puesta en común. ¿Podemos vislumbrar las consecuencias que este ideario tiene para el cine? Un arte que trabaja con un orden sensible visual y sonoro, en que incluso lo ausente se hace presente, ¿cómo puede corresponderse a una realidad tejida por lo invisible y evocable, por ese más allá y más acá de las cosas? Humberto Gómez y su equipo disciernen una solución por demás inteligente: conservar el secreto, mostrarlo como algo inasible e inefable, pero no por eso imposible de compartir. La voz en _off_, por ejemplo, confiere a los planos un velo doble: amplía las orillas del presente pues introduce en él una historia antiquísima y vital para quienes la mantienen viva. Lo que vemos ya no es sólo lo que vemos, es también lo que otros vieron antes que nosotros y nos enseñaron a ver. Y claro, ver, más que una operación biológica, es un tipo de sabiduría ancestral.

Los espacios de _Ch’ul be, senda sagrada_ son únicos: paisajes extraños para el cine mexicano que poco se asoma a sitios fuera de límites muy estrechos. La música, los gestos, las palabras, el interior de las iglesias, están todos teñidos por una mirada paciente y penetrante que no es la de un visitante ocurrente sino la de alguien con conocimiento de causa. No hay pretensiones de gritar a los cuatro vientos lo registrado. El tono es calmo, la cámara está atenta a lo que ocurre y el montaje se apega al _tempo_ de la vida de aquel lugar. Todas estas variables hacen que _Ch’ul be, senda sagrada_ sea más que una película sobre el sistema de cargos en San Andrés Larráinzar. Es también un bloque de realidad, de tiempo y espacio, de historias y relatos, de memoria y sabiduría.

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El circuito colaborativo de exhibición documental estará en 24 estados de la república mexicana, hasta el 17 de noviembre.

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